Записки о художниках

5 декабря 2022 года исполняется 92 года со дня рождения известного уссурийского художника Кима Петровича Коваля (1930–1994), творчество которого стало знаковым в развитии изобразительного искусства Дальнего Востока. Известный как основатель Уссурийской школы живописи, представляющей региональное художественное явление с самобытными характеристиками, Ким Коваль оказал влияние на общее развитие отечественного искусства второй половины ХХ века, во многом обогатив дальневосточную живопись.

Ким Коваль всегда говорил, что он родился 5 декабря 1930 года в городе Никольск-Уссурийский (прежнее название г. Уссурийска до 1935 года). Однако это не совсем так. В действительности родился он где-то в Алтайском крае, но рано осиротел: еще до начала войны скоропостижно скончалась его мать Ольга Сергеевна, потом воевать на фронт ушел отец Пётр Семенович. Будущего художника привезли в г. Уссурийск (в 1935–1957 город назывался Ворошилов) в 1941 году, и по приезду он попал в детский дом. Однако вскоре его забрал дядя – брат матери Василий Сергеевич Анкуденко, который, будучи выпускником Омского художественного училища, первым заметил талант мальчика и стал развивать его. В 1943 году Ким стал посещать городскую студию военных художников при Доме офицеров. Как самый способный ученик студии, вместе с бригадой военных художников  в 1945 году он командируется в КНР, где совместная интенсивная работа с профессиональными живописцами укрепляет его в правильности выбранного пути.

Ким мечтал о художественном училище во Владивостоке, но опоздал к сдаче экзаменов. Поскольку были необходимы средства для жизни, он поступил на курсы помощников машинистов паровозов и некоторое время работал по специальности. Затем проходил армейскую службу в Советской Гавани, где была открыта изостудия, давшая возможность в то время держать в руках кисть и карандаш. После демобилизации в 1954 году Ким возвращается в г. Уссурийск, где к тому времени начали работу мастерские Художественного фонда РСФСР, и становится художником-производственником, но под влиянием возглавляющего творческую группу мастерской С. Ф. Арефина он начинает все больше увлекаться станковой живописью. Поворот в творческой судьбе Кима Коваля случился в 1956 году, когда Приморская организация Союза художников СССР провела закрытый конкурс на эскиз картины, тема которой по условиям мероприятия выбиралась автором. Ким Коваль получил первое место и премию – поездку в знаменитый Дом творчества “Академическая дача”, которая оказалось знаковой в его профессиональной карьере. Первое посещение и дальнейшие многократные заезды на «Академическую дачу» Ким Коваль считал своей основной школой живописи.

1959 год ознаменовался для художника событием, значение которого для дальнейшей творческой биографии Кима Коваля трудно переоценить: сразу шесть картин его, молодого, тогда еще не известного художника, были приняты для участия в I Республиканской художественной выставке «Советская Россия» открывшейся в 1960 году в Москве. Получив высокую оценку экспертов выставочной комиссии, Ким Коваль был принят в Союз художников, минуя кандидатский стаж. После выставки его избрали членом правления Приморской организации Союза художников СССР (1961-1989), а чуть позже – членом Республиканского выставочного комитета России (1963-1975). Картины уссурийского художника К. П. Коваля стали регулярно появляться на всесоюзных, республиканских, зональных художественных выставках. Ким Коваль был единственным художником с Дальнего Востока, принимавшим участие во всех семи республиканских выставках «Советская Россия».

Конец 1960-х годов ознаменован рядом важных событий в жизни Коваля: за успехи в творчестве Указом Президиума Верховного Совета РСФСР ему в 1968 году присвоено звание заслуженного художника РСФСР, он избирается членом правления Союза художников СССР (1968-1971) и РСФСР (1968-1979). Художник совершает много творческих путешествий по стране и  свое  «художественное покорение» севера Дальнего Востока: экспедиции на Камчатку, Командорские и Курильские острова, нашедшие отражение в его этюдах и картинах. Хотя Ким Коваль не входил в состав известной Шикотанской группы, но участвовал вместе с ее членами на многих выставках.

Абсолютно новыми гранями обогатилось творчество Коваля после посещения им в 1979 году Кубы и спустя три года Индии – стран с экзотической природой и островыразительной самобытной культурой – выразившиеся в сложных образах с орнаментальной и пластической выразительностью, выдающих особую жажду разнообразия, которая пронизывала все творчество Коваля.

В 1980 году К. Ковалю было присвоено почетное звание Заслуженного деятеля искусств РСФСР, а в 1987 году была организована персональная выставка в Москве в центральном выставочном зале Союза художников РСФСР, которая явилась своеобразным подведением итогов интенсивной творческой деятельности художника почти за три десятилетия самозабвенной работы и была высоко оценена. Немногим художникам удается создать свой живописный стиль: у К. П. Коваля это получилось. Благодаря таланту К. Коваля, почерку которого следовали и другие  художники, Уссурийская школа с ее самобытными характеристиками (декоративность, контурная обводка, витражный цвет, фактурная кладка живописного слоя, объемная пастозность мазка) получила известность в стране и утвердилась в отечественном искусствознании.

Обладая кипучей энергией, Ким Коваль успешно совмещал активную общественную и творческую жизнь. В 1970 году К. Коваль основал в п. Андреевка творческую дачу для приморских художников  в п. Андреевка – месте, ставшем знаменитым на карте искусства края и региона благодаря тому, что стараниями К. Коваля и его товарищей там были продолжены традиции домов творчества центральной полосы России, а также заложены собственные. В 2020 году творческая дача «Андреевка» отмечает полувековой юбилей, но дело, основанное К. Ковалем, продолжается: традиции, заложенные К. Ковалем, бережно сохраняются усилиями связанных с ним родственными и духовными узами уссурийских художников Ольги и Ивана Никитчиков. (Заслуженный художник РФ Ольга Кимовна Никитчик – дочь К. П. Коваля) В память о К. П. Ковале ими учреждена премия для молодых дарований, в Андреевке установлена мемориальная доска и создан «Дом творчества им. К. П. Коваля», в котором ежегодно собираются на пленэры начинающие и состоявшиеся местные и зарубежные художники.

Выдвигая Уссурийск из тени других приморских городов, Ким Коваль придал ему статус важного художественного центра Приморья. Приложив большие усилия, Ким Коваль добился строительства в Уссурийске Дома художников, открытие которого состоялось в 1985 году, и создания в 1990 году Уссурийской организации ВТОО «Союз художников России», председателем которой он был последние два года жизни (1992-1994). Увлекающая сила дарования К. Коваля была такова, что много лет подряд он был ориентиром для своих творческих коллег и будущих творцов, много взявших от него для своего дальнейшего развития. Ким Коваль стал родоначальником собственной художественной династии, передав свой опыт следующему поколению художников – Ольге и Ивану Никитчикам, развивающим традиции в современный период.

Ким Петрович Коваль творил в полную силу, увлекая своим цветоносным восприятием мира, до самого конца – 22 февраля 1994 года. При изучении его творческого наследия очевидным становится то, что, плодотворно работая в рамках большого стиля советской эпохи, опираясь на традиции русского реалистического искусства, используя мировой художественный опыт предшествующих поколений, он создал свой отличительный живописный язык. Сверходаренный мастер оставил разноплановое живописное и графическое наследие, но основным для него был жанр живописной картины, в которой большое значение отводилось пейзажному плану – природе Дальнего Востока, звучащей в его произведениях то нежно лирически, то напряженно-эпически, а сам автор по праву заслужил титул – «певец российского дальневосточного пейзажа». Его работы с течением времени не теряют своей выразительности как в художественном, так и в эмоциональном плане, так как художник задумывая  их, вдохновлялся самим процессом создания картины: «горел сердцем» и «воспламенялся душой».

Произведения К. П. Коваля  с большим успехом экспонировались и экспонируются на отечественных выставках и за рубежом, были приобретены художественными музеями. Произведения К. П. Коваля находятся в коллек­циях Приморской государственной картинной га­лереи, Воронежского областного художественного музея им. И. Н. Крамского, Тверской областной кар­тинной галереи, Музея изобразительного искусства г. Комсомольска-на Амуре, Мордовского республи­канского музея изобразительных искусств им. С. Д. Эрьзи, Иркутского областного художественного музея им. В. П. Сукачева, Мурманского областного краеведческого музея, Дальневосточного худо­жественного музея, в частных коллекциях в России и за рубежом. Многие картины художника при его жизни были закуплены фонд Министерства Культуры СССР и их местонахождение на данный момент неизвестно.

Великая Отечественная война оставила свой страшный след в сердцах людей. Это особая тема в искусстве русских художников. В коллекции музея хранятся произведения, созданные в годы войны художниками-очевидцами событий.

В первый же день, как только объявили о начале войны, художник Ираклий Моисеевич Тоидзе создал пронзительный образ Родины-матери, на защиту которой поднялся весь многомиллионный народ.  Лето 1941-го прошло под знаком этого плаката. Он и сегодня воспринимается как один из главных символов той войны.

Живописец Ираклий Тоидзе в июне 1941-го еще не был признанным мэтром, хотя иллюстрации к поэме Шота Руставели «Витязь в тигровой шкуре» успели принести ему первую известность. Тоидзе – грузин, тбилисец, потомственный художник. Его отец славился на всю Грузию как блистательный рисовальщик. Именно он и стал первым учителем Ираклия Тоидзе. С 1922 года молодой художник трудился в «Окнах ГрузКавРОСТА», то есть осваивал жанр плаката. Он окончил Тифлисскую академию художеств, а в 1931-м переехал в Москву.

Над новыми рисунками к «Витязю» художник работал и тем ранним утром 22 июня 1941 года. Семья Тоидзе занимала тогда две комнаты в большой коммунальной квартире на Гоголевском бульваре: одна комната жилая, а в другой была оборудована мастерская. Ираклий Моисеевич размышлял над любимыми героями Руставели – и тут к нему в мастерскую вбежала жена Тамара с криком: “Война!”  Рукой она указывала на распахнутую дверь, из-за которой доносились сообщения о начале войны, переданные по уличному репродуктору.  Видимо, выражение лица у нее было такое, что художник воскликнул: “Стой так и не двигайся!” и тут же принялся делать наброски. Жена несколько часов позировала, а он рисовал – один вариант за другим. На следующий день плакат был готов.

Уже к концу месяца плакат был  размножен миллионными тиражами. Его расклеивали повсюду – на вокзалах и сборных пунктах, на фабриках и заводах, на стенах и заборах… Идея была настолько близка и понятна каждому, что солдаты носили репродукции в нагрудных карманах гимнастерок. А если приходилось сдавать населенный пункт фашистам, бойцы, отступая, срывали плакаты «с мамой» и уносили с собой…

Валерий Александрович Смирнов родился в г. Свободный Амурской области в 1940 году. С 1962 по 1967 г учился на художественно- графическом факультете Хабаровского педагогического института, до 1971 г. преподавал на кафедре рисунка и живописи. Заслуженный художник РФ.

Детские и юношеские годы Валерия Смирнова прошли на необъятных просторах бывшего Советского Союза. Глава семьи Александр Алексеевич Смирнов был инженером правительственной связи, и его чрезвычайно ответственная работа была сопряжена с постоянной сменой места жительства. Детство Валерия — постоянно менявшийся калейдоскоп впечатлений. Была экзотика солнечных республик бывшего СССР, потом Москва, Алтай, Сибирь, Дальний Восток — и всегда окружение новых друзей.

Путь к будущей профессии наметился не сразу, хотя Валерию нравилось рисовать. Вероятно, это передалось ему от отца, умевшего хорошо чертить, искусно владевшего шрифтами и любившего искусство. Сначала он профессионально занимался спортом — хоккеем с шайбой. Потом был горнорабочим поисково-разведочной партии, рабочим связи и слесарем на железной дороге. Непростым испытанием стала в 1959–1962 годах служба в армии в топогеодезическом отряде. Однажды во время разведывательных топографических работ он потерялся в таежной глуши. На всю жизнь запомнились Смирнову двое тревожных суток в лесу, когда с наступлением ночи приходилось забираться на сосну и привязывать себя ремнем к стволу, чтобы не сорваться.

На дневное отделение ХГФ Смирнов пришел в 22 года с жизненным багажом самостоятельного, поработавшего и повидавшего мир человека. Возраст факультета был совсем детским — ему исполнилось всего три года. Но счастливое совпадение — в его мастерских преподавали выпускники ведущих художественных вузов Москвы, Ленинграда, Харькова и других. Можно сказать, что факультет стал той точкой отсчета, с которой действительно началась творческая работа будущего художника. Кроме учебы на дневном отделении Смирнову приходилось постоянно подрабатывать. Коренные хабаровчане, конечно, не догадывались, что некоторые красочные афиши на фасаде кинотеатра «Гигант» несколько лет рисовал гуашью Валерий Смирнов со своим однокурсником и другом Виктором Артеменко.

Как любому выпускнику худграфа, ему запомнились пленэры, и не только студенческие, но и те, когда Валерий Александрович уже работал преподавателем на факультете. Они проходили в отдаленных местах: низовья Амура, Приморье, Зейская ГЭС, Охотское побережье, Камчатка… Постепенно география творческих поездок будет расширяться по всей стране, Европе, а затем и по зарубежному Дальнему Востоку.

Тема космоса — одна из триумфальных страниц в истории Советского Союза и истории мировой науки. Освоение космического пространства, первые спутники, выход советских космонавтов в неведомое — это грандиозно не только с позиций развития мира науки и техники, но даже на абсолютно житейском, профанном уровне вызывало тогда ощущение чего-то восторженного и совершенно несопоставимого с реальной жизнью. Внезапное вторжение в художественную культуру новой темы, конечно, обуславливает поиски художника в выражении новых пространственных границ, фиксации меняющихся временных рамок и передачи абсолютно нового культурного опыта людей. Изменились представления о классической картине мира, изменилось сознание и восприятие мира людьми. Художники начали творческий поиск в изображении не вечной пустоты космоса, а уже наполненного глубоким смыслом культурного пространства, обогащенного мощными прорывами научных экспериментов.

В создании серии «Космос» художник, используя возможности монтажного метода, структурирует в одном листе одновременно несколько композиций. Сделано это так органично, что не нарушается целостность общего замысла. Рассматривая листы, можно заметить, что центральный мотив — человек в космическом пространстве, по сути, представлен в обрамлении истории его освоения. Смирновым сюда включены узнаваемые научные артефакты: древние армиллярные сферы и телескопы, чертежи и фрагменты формул, ракеты и корабли. Усиливает зрелищность богатство фактурных и цветовых эффектов автолитографий («Космос. Укрощение огня», «Космос. Продолжение мечты», 1976).

Серия «Космос» экспонировалась в Москве и на многих зарубежных выставках. Одна из них в 1976 году по договоренности с НАСА и советского космического агентства была организована к 15-летнему юбилею полета Ю. А. Гагарина. Совместная художественная выставка советских и американских художников проходила в Хьюстоне. Именно тогда автолитографии из серии «Космос» Валерия Смирнова вошли в экспозицию Музея космоса НАСА в Хьюстоне (США).

Нелли Евгеньевна Баранчук родилась 18 февраля 1930 года в Астрахани. В 1947 году поступила в Казахское республиканское театрально-художественное училище им. Н.В. Гоголя, в класс живописи. Окончив его в 1953 году, вышла замуж. Ее супругом стал Г.Е. Усанов, специалист по геологоразведке, впоследствии заслуженный геолог России. С ним она уехала на Дальний Восток, с ним ходила и в экспедиции, неся наравне с мужчинами рюкзак, да еще тяжелый этюдник с красками.

Творческую жизнь молодая художница начала в Хабаровске. Первый успех пришел в 1965 году, он был связан с участием в Республиканской художественной выставке «Советская Россия».

Дальний Восток стал значимой вехой в судьбе живописца, он испытал ее на выносливость, закалил характер, стал творческой лабораторией художника. Жизнь на Дальнем Востоке – это время поисков и находок, время утверждения индивидуальной живописной стилистики, обретения собственной темы в искусстве. Именно в дальневосточных работах проявилось ее желание найти «главную идею» природы, постигнуть ее красоту в случайном и малом.

Картины Нелли Евгеньевны исполнены в замечательных традициях русской пленэрной живописи. Благодаря многочисленным поездкам ей было чем наполнить свои произведения.

«Ее искусство многогранно, оно впитало в себя токи изысканного модерна, французского импрессионизма, символизма. Энергичная, сильная и мыслящая личность, преломив цвет через свое личное мироощущение, она создала узнаваемый, свойственный только ей художественный мир…», – написала искусствовед Надежда Севастьянова.

В 1991 году Нелли Евгеньевна переехала в город Ковров Владимирской области. Сейчас живет и работает во Владимире. Она быстро снискала здесь уважение своим творчеством, преданным отношением к искусству и стала неотъемлемой частью владимирской художественной жизни.

Произведения Н.Е. Баранчук находятся в собраниях: Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск), Музей изобразительных искусств (г. Комсомольск-на-Амуре), Музейно-выставочный центр Забайкальского края (г. Чита), Картинная галерея им. А. М. Федотова (г. Хабаровск), Сахалинский областной государственный художественный музей (г. Южно-Сахалинск).

Роза Бонёр (1822-1899) – известная французская художница, одна из крупнейших анималистов XIX века.

Ее любовь к рисованию началась с уроков чтения, когда мать просила ее выбирать и рисовать различных животных для каждой буквы алфавита. Её отец Раймон Бонёр, художник-пейзажист и мастер рисунка, охотно помогал дочери во всех её начинаниях, поощрял интерес к рисованию животных, принося их живыми в студию семьи для изучения. Отец не только давал Розе уроки рисования, но и водил в Лувр, где она делала копии с полотен известных художников.

Определившись с темой в творчестве, Роза изучала анатомию и остеологию животных на скотобойне в Париже и в Национальном ветеринарном институте, сама проводя там вскрытия. Там она подготовила подробные этюды, которые позже использовала для своих картин и скульптур.

В 19 лет Роза Бонёр впервые выставила картины на парижском Салоне 1841 года. С тех пор ежегодно её работы удостаиваются медалями разного достоинства, их  приобретают Люксембургский музей, Лувр, Лондонская национальная галерея. Изображения животных, созданные кистью Розы Бонёр, практически безупречны.

В 30-летнем возрасте она создает самую известную свою работу «Ярмарка лошадей», после чего к ней приходит международный успех. Королева Виктория, известная своей любовью к лошадям, организовала приватный показ этой картины в Букингемском дворце. В Англии и Америке произведения  Бонёр пользовались особой любовью и спросом.

Она была очень популярна при жизни, её портреты регулярно появлялись в журналах. Художницу приглашали читать лекции по всей Европе. В XIX веке такое в жизни художницы кажется почти нереальным.

Работу Розы Бонёр «Корова» можно увидеть в ДВХМ в постоянной экспозиции западноевропейского искусства.

Картина очень реалистична. Четко и детально проработанные линии силуэта, крупных мышц подтверждают глубокие познания в анатомии. Современники приписывали работам Бонёр фотографическую точность.

Обладая сильным характером, творческой отвагой и редкой настойчивостью Бонёр внесла большой вклад в развитие анималистического жанра и получила признание своего таланта. Она была награждена Орденом Почетного Легиона Франции, испанским орденом Изабеллы Католической и орденом Леопольда Бельгийского. В её честь назван кратер Роза Бонёр на Венере.

В постоянной экспозиции у нас находится исторический портрет Суворова А. В. в Преображенском мундире. 1799. Работа написана неизвестным русским художником с работы придворного австрийского живописца Иосифа Крейцингера.

Трудно назвать жанр, в котором бы Суворов – полководец и человек – не нашли своего художественного отражения. Здесь живописные и мозаичные портреты, произведения пластики, бесчисленные рисунки, гравюры, литографии, лубочные картинки, политические плакаты, миниатюры, произведения прикладного искусства.

Современников и потомков всегда поражало то, что многочисленные изображения полководца часто отличались друг от друга не только манерой исполнения и художественной трактовкой образа, но и разнообразием его типажей.

Это можно объяснить, с одной стороны, тем, что лицо Суворова, как вспоминают люди, его знавшие, было чрезвычайно подвижно и переменчиво, и на нем, как в зеркале, отражались мгновенные изменения настроения; с другой стороны – тем, что, считая себя некрасивым, терпеть не мог зеркал и не любил позировать художникам. Почти все его портреты, за редким исключением, были сделаны по памяти.

Если всмотреться внимательно, мы увидим знакомые морщины, избороздившие лоб, глубокую складку на переносице, характерную для всех его образов, острый кончик носа и складки у рта, несколько выступающую нижнюю губу.

Немного информации о самом Суворове А.В.

Генералиссимус Российских войск, князь Италийский, граф Суворов Рымникский. Он был один из самых образованных военных людей 18в.; знал философию, математику, писал стихи, владел немецким, французским, итальянским, польским, турецким языками, немного-арабским, персидским и финским, в совершенстве знал фортификацию, внимательно следил за ходом политических и военных событий в Западной Европе. Семьдесят лет прожил Суворов. Пятьдесят из них провел в армии. Победил в 60-ти сражениях и ни одного поражения – таков итог его полководческой деятельности.

Живописец изобразил Суворова незадолго до его смерти (1800 г.)

Откровенный противник «реформ» Павла I, переделавшего русскую армию на прусский манер, Суворов был очень серьезным противником «преобразовательным» идеям Павла. Убедившись, что Суворова нельзя заставить отступить от своих принципов и взглядов, император, придравшись к незначительному поводу, 6 февраля 1797 г. объявил об его отставке и отправил его из своего имения Кобрин в Белоруссии в Кончанское – маленькую деревушку в глуши новгородских лесов.

Однако через 2 года он вновь понадобился для ведения войны против Франции, которая владела новыми способами ведения войны.

В 1799 г. был назначен главнокомандующим русской армии для действий в Италии, и в этом же году был произведен в чин генералиссимуса российских войск.

Одной из блестящих операций, проведенных Суворовым, был Швейцарский поход через Альпы. Растущая популярность полководца опять пришлась не по душе Павлу I, и обвинив его в неисполнении царского указа, его вновь подвергают опале. Торжественная встреча Суворова в Петербурге по поводу его блистательных побед была отменена.

В апреле 1800 г. больного и изнуренного полководца ночью тайком привезли в дом родственника в Петербург, где он скончался 6 мая.

Используя работу Крейцингера, неизвестный русский художник изобразил погрудный портрет полководца в фельдмаршальском мундире с орденами на груди. С холста на зрителя смотрит сосредоточенное лицо с ясным, несколько задумчивым взглядом, за которым скрывается проницательный ум и воля. Чувствуется некоторая усталость, ведь позади и царская опала и груз paтных дел.

В собрании ДВХМ находится 11 работ известного русского и советского художника Ростислава Николаевича Барто, которые были переданы музею автором.

Родился он в 1902 году в семье инженера Николая Ричардовича Барто. С детства увлекался искусством и музыкой, в 1920 году окончил Советскую трудовую школу 2-й ступени Городского района. В 1922 году Барто поступил на графическое отделение Вхутемаса и стал студентом В.А. Фаворского, но после второго курса перевёлся на живописное отделение. Здесь он оказался одним из первых учеников в классе А.В. Шевченко. Несколько лет ученичества и близкой дружбы с этим замечательным художником и педагогом на долгие годы определили творческий почерк Ростислава Барто.

Уже на факультете молодой художник заметно отличался от большинства студентов. Он был значительно лучше подготовлен и просто более образован. К нему тянулись соученики, у него было много товарищей. Один из них, Р.А. Акбальян, вспоминал о нём: «Он был мастер рассказывать весёлые истории и вокруг него толпились студенты всех трёх курсов. Чувствовалось, что задолго до того, как он пришёл во Вхутеин, он был уже художником. И в области изобразительного искусства его познания были гораздо шире и глубже, чем у многих его сверстников».

Постепенно Барто уходит от живописи маслом и темперой и сосредотачивается на станковой графике, прежде всего – на монотипии. Его работы, начиная уже с предвоенных лет, совершенно свободны от подражания Шевченко. В каждой вещи теперь чувствуется индивидуальная творческая система художника.

Работал Ростислав Николаевич очень быстро, с уверенностью, которая давалась многолетним опытом. Если он бывал в форме, то за день делал иногда до трёх монотипий. Тут важно было не только блестящее знание техники, но, главное, наличие богатейшей фантазии. Никаких подготовительных набросков он никогда не делал. Всегда это была блестящая, свободная импровизация. В его голове образы так и роились. Это были впечатления от природы, портреты по воспоминаниям и, если так можно выразиться, воспоминания о культурах прошлого.

Технику монотипий Барто довел до такого изумительного совершенства, которого мы вряд ли найдем у других художников. Он любил, знал и чувствовал возможности своих материалов и инструментов как симфонист знает все “голоса” большого оркестра.

Умер Ростислав Барто 1 июля 1974 года.

Сегодня его произведения входят в собрание крупнейших музеев, в том числе Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина, Дрезденского кабинета гравюры.

Белла Ниссоновна Сегаль родилась в 1937 г. в России. Училась во Всероссийской Академии Художеств в 1958-1964 г.г. Её учителем был Алексей Федорович Пахомов. Училась Белла Ниссоновна на графическом факультете, по окончании учебы ей была присвоена квалификация художника-графика. Дипломная работа Сегаль «Спорт» была удостоена оценки – хорошо.

  Из воспоминаний художника Тетерина А.А.: «Однажды я побывал в гостях у Беллы Ниссоновны Сегаль – вдовы ленинградского иллюстратора детских и юношеских книг Александра Сергеевича Сколозубова… В то время не было компьютеров, все детали книги выполняли вручную. На титуле, к примеру, расположение строчек, написание шрифта делалось на таком высоком уровне, что ныне подобного исполнения не встретишь. В подарок от Беллы Ниссоновны я получил оригинал обложки книги Веры Инбер «О Ленинграде». Здесь же ниже Белла Ниссоновна сделала передаточную надпись, адресованную мне».        

  Белла, выйдя замуж за Александра Сколозубова, познакомилась с его друзьями. Ей нравится художник Сколозубов, она принимает его эстетику. Во многих случаях, особенно в работе на заказ, они становятся тандемом. С годами Белла снимает с себя знак равенства, вырабатывает лицо. Почерковое сходство с работами супруга некоторое время сохраняется и преодолевается постепенно. Скромная и требовательная к себе, она мало показывает себя. Белла много занимается портретом. Заботы о пластике, о композиционной выразительности листа не мешают ей думать о характере, о человеческой неповторимости образа. Она любит театр. С годами появляется желание видеть и рисовать жизнь его работников за чертою кулис. Врожденная ее эмоциональность вооружена расчетом и строгой взвешенностью. Элемент выучки у кого-то, избрания образца, неизбежен в судьбе каждого художника.

Белла Сегаль создала целую серию работ, посвящённую подготовке к Новому Году и назвала её «Детский праздник». Эта серия была приобретена лично у художницы сотрудником ДВХМ Лементович Т.В. в 1988 г.

  На цветной литографии «Маска кота» мы видим мальчика с самодельной, склеенной из жёлтой бумаги, маской. Мордочка кота нарисована чёрным цветом, вместо усов вставлены тонкие деревянные прутики. Бумажной изогнутой дугой полосатый хвост спускается на плечо мальчика. Лицо юного художника, которое мы видим в круглой прорези маски, схоже с чертами его персонажа.

  На литографии” Золушка и принц» мы видим двух девочек, занятых репетицией перед новогодним спектаклем. Костюм Золушки украшен пышным воротником. Принц одет в нарядный камзол, голову украшает корона. Лица юных артистов серьёзны и сосредоточены, ведь им предстоит выступление перед зрителями.

Художник, иллюстратор и мультипликатор Лариса Ивановна Зеневич родилась в Минске, в семье филологов. В 1966 году поступила на художественный факультет ВГИКа, в мастерскую И. Иванова-Вано. Еще студенткой начала работать в области книжной графики, проиллюстрировала более двух десятков книг, среди которых произведения Чехова, Каверина и других. С большой любовью занималась иллюстрированием сказок братьев Гримм, Гофмана, Андерсена. Может именно поэтому многие картины Зеневич наполнены атмосферой произведений известных сказочников.

Свое творчество Лариса Ивановна характеризует как «интимный романтизм», а один из ее коллег-художников отметил, что в ее картинах присутствует «тайна, гротеск и готическая прелесть».

Помимо живописи и книжной графики Лариса Зеневич активно занималась мультипликацией. В 1972 году, после окончания ВГИКа, попала по распределению в Минск, в отдел мультипликации киностудии «Беларусьфильм». Ее мультфильм под названием «Мальчик и птица», который она создала совместно с мужем Владимиром Пименовым, к сожалению, «положили на полку», мотивировав такое решение тем, что «народ не поймет эту картину».

В 1979 году  Зеневич переехала в Москву и начала работать на киностудии «Союзмультфильм», в кукольном отделении. Здесь в качестве художника-постановщика создала около десятка фильмов.

Судьба подарила Ларисе Ивановне встречу с художником и искусствоведом Львом Кропивницким, которого она считала своим учителем. Память об этой встрече она пронесет через всю жизнь.

Картина «Вступление», хранящаяся в фондах ДВХМ, это своеобразный автопортрет, где художник предстает перед зрителем в виде трогательного маленького ребенка – ангела, качающегося на качелях. «Вступление» – это светлые воспоминания о том времени, когда благодаря своему учителю Лариса Ивановна увидела жизнь в другом свете.

Биография Виктора Ивановича Смирнова необычна для художника. Воспитывался будущий график в детском доме Хабаровска, где и определили его год рождения приблизительно – 1932. Родители художника неизвестны. Неизвестно и место рождения. Имел официальное образование всего 3 класса.

Работать начал в 13 лет, беспризорничал, дважды попадал в тюрьму, совершал побеги, скитался по Колыме, Чукотке, подрабатывая в геологоразведочных партиях. Много лет прожил в Хабаровском крае, в 1980-х переехал на Алтай.

С раннего детства Виктор Иванович испытывал страсть к рисованию, особенно увлекала графика. По своим чертежам Смирнов изготовил печатный станок для графики, изобрел рецепт тонина. Для своих работ сам изготавливал бумагу.

Первая самостоятельная работа Виктора Ивановича датирована 1970 годом. Замысел серии гравюр о геологах Севера – «Золото Севера» возник в 1960, а композиции листов в рисунках были готовы в 1964. Полностью весь альбом был создан и оформлен в 1990 году. 

Виктор Иванович Смирнов – народный художник. Профессионального художественного образования не имеет. Любимая техника – офорт (разновидность гравюры, выполняемая на металле путем травления кислотой). Любимый жанр пейзаж, это самостоятельная большая область творчества мастера.

Работы художника находятся в фондах ДВХМ, принимают участие в выставочных проектах.

Эллей Семенович Сивцев – художник, значительно повлиявший на формирование традиций графического искусства Якутии, с его именем связан общий расцвет якутской графики в 1960-х годах.

Э.С. Сивцев родился 31 декабря 1928 года в Хатын-Арынском наслеге Намского улуса. Отец, Семен Тимофеевич, был участником гражданской войны, комсомольским активистом, учителем. Погиб в Великую Отечественную войну. Мать, Анастасия Егоровна Сивцева, впоследствии стала народной мастерицей. Уже в зрелом возрасте реализовала свой творческий дар, создавая замечательные образцы якутского народного шитья и вышивки.

В 1945 году Эллей Сивцев поступил в Якутское художественное училище и стал одним из его первых выпускников. В 1950 году продолжил учебу в Московском государственном художественном институте им.В.И. Сурикова на факультете графики. Учился в мастерской профессора Е.А. Кибрика, у видных мастеров советской графики Д.С. Моора, М.Е. Черемных. Дипломная работа молодого художника “Моя Родина – Советская Якутия” явилась своеобразной точкой отсчета истории современной якутской графики. Серия посвящена гражданской войне и коллективизации, мирному труду колхозников и торжеству праздника. Отдельные листы серии экспонировались на Всесоюзных выставках и за рубежом. Это был несомненный успех молодого художника. Известный искусствовед И.А.Потапов впоследствии неоднократно отмечал, что в названной серии “как в зародыше, наметились разработки художником его последующих графических циклов” и более того, она “в известной мере предвосхитила главнейшие тематические линии якутского эстампа в целом”.

 После окончания института в 1956 году Эллей Семенович стал членом Союза художников СССР.

Вернувшись на родину, работал в Якутском книжном издательстве художественным редактором, затем – в системе Якутских художественно-производственных мастерских Худфонда РСФСР, преподавал в художественном училище.

С именем Э. Сивцева связано зарождение якутской станковой графики как самостоятельного жанра искусства, развитие якутского эстампа.

Его произведения отличаются глубиной раскрытия тем и идей, передачей национального своеобразия характеров и образов, красоты древних народных традиций, укрепившихся в современном быту. К таким работам относится графический лист  «Гол!» из серии «Зима». Тут художник выступает как обстоятельный рассказчик, описывающий характерные подробности, внешность героев игры, динамику фигур. В то же время его станковая графика сродни эпическим произведениям по силе и выразительности образов.

Творчество Эллея Семеновича Сивцева отличают простота и ясность образов, искреннее и непредвзятое восприятие народной жизни. Его по праву считают художником, значительно повлиявшим на формирование традиций графического искусства Якутии. Творческое наследие Эллея Сивцева – это объемная, содержательная, цельная повесть-эпопея с одним главным героем -народом саха, жизнь которого внимательно прослежена и отображена мастером в социально-историческом контексте.

Василий Григорьевич Шешунов (1866–1922) родился в Иркутске. Отец его служил в Главном управлении Восточной Сибири. Рано потеряв мать, мальчик очень привязался к старшему брату – священнослужителю. Призвание к рисованию у Василия проявилось в детстве, и брат привел его в иконописную мастерскую местного Иннокентьевского монастыря, а затем подросток стал расписывать декорации для городского театра. Иркутские художники посоветовали способному юноше учиться, и в 16 лет он едет в Санкт-Петербург, поступает вольным слушателем в Академию художеств в мастерскую Ивана Шишкина. Василий Шешунов сразу выбрал для себя пейзаж – жанр живописи, которому оставался верен всю жизнь. Природа всегда привлекала художника. Еще в юности он вместе с братом Константином исходил всю Иркутскую губернию, любуясь красотами сибирских пейзажей. На Дальний Восток Шешунов попал неслучайно. Он много читал и, узнав о необыкновенно богатой природе Дальневосточного края, решил ехать в Приморье.

Закончив учебу, художник вернулся домой, а затем вместе с братом уехал в Благовещенск. До 1906 года он работал в городском шестиклассном и ремесленном училищах, а затем переехал в г. Никольск-Уссурийск. В те далекие годы Шешунов был там первым дипломированным живописцем. Начиная с 1912 года и до самой своей кончины он преподавал в женской учительской семинарии, вел уроки рисования в Корейской учительской семинарии и местном художественном училище.

Всё свое свободное время Шешунов посвящал искусству. С наступлением каникул в учебных заведениях он отправлялся на этюды в уссурийскую тайгу и за 15 лет очень хорошо её изучил. Там, среди нетронутой, первобытной природы, он чувствовал себя в своей стихии. Именно в этюдных зарисовках восприятие природы передаётся во всей её непосредственности.

Работы художника раскрывают его искреннюю любовь к природе. Они помимо художественной ценности имеют и познавательное значение: запечатленные им места настолько узнаваемы, что его работы можно систематизировать по географическому принципу. Недаром за художником закрепилось определение – «певец уссурийской природы в красках». Живописные этюды художника, передающие красоту тайги, занимают значительное место в коллекции ДВХМ.

Алексей Матвеевич Федотов родился 13 марта 1919 года в селе Катарбей Нижеудинского района Иркутской области. В 1930 году семья переехала в г. Читу. Посещал детскую художественную изостудию при Доме пионеров, которой руководил И.П. Сверкунов. Из автобиографии: «В 1935 году окончил школу и поступил в ФЗУ, но ушёл из училища. За период с 1935 по 1937 год работал продавцом, кролиководом, лесосплавщиком.  В 1937 году, после репрессирования отца, ушёл из дома. В Иркутске решил попытаться сдать экзамены в художественное училище. Поступил в училище, одновременно работал в Иркутском драматическом театре художником- исполнителем». В 1941 году с 3-го курса училища был призван в армию. В 1946 году, демобилизовавшись из армии, поступил работать в Читинские художественные мастерские.

А. М. Федотов – живописец- пейзажист. Понятие «Федотовский пейзаж» сформировалось в сознании дальневосточников, это пейзажи Сибири и Дальнего Востока.

В г. Хабаровск Федотов приехал в 1958 году. Природа Сибири и Забайкалья, откуда приехал мастер, не была в противоречии с природой Дальнего Востока. Она так же конструктивна, как и природа Сибири. Здесь нет бесконечно удаляющегося пространства, но есть горы, скалы, ущелья, отроги. От Байкала до Амура, Приморье, далее Сахалин, Камчатка, Колыма – маршруты Федотова. Дальний Восток – огромная часть света, в которую вмещаются фантастически разные территории. И Федотов подарил людям, точнее, открыл заново Камчатку и Сахалин, Приморье и Курилы, Приамурье и Забайкалье. В одном сантиметре – десятки красочных соединений, и каждый сантиметр – живопись, которая составляет тембр пейзажа. И никак нельзя спутать Камчатку с Сахалином, пейзажи Сахалина с Приморьем. Пейзажи Федотова трудно определить – лирические, поэтические? В них присутствует монументальность, которая как нельзя лучше подходит к определению пейзажей Дальнего Востока и Сибири.

Помимо монументальных полотен в коллекции музея находится одна небольшая работа «Зима. Хехцир.». Этюды- это всегда живая кисть и свежее чувство, поэтому они так впечатляют зрителя. Хехцир – не только место отдыха хабаровчан, но и место работы художников. Этюды Хехцира Федотова великолепны!  Лежит снег, небо холодное. На картине …в лёгкой, розоватой дымке неба, в немного сиреневых далях чувствуется влажность воздуха.  Искусство Федотова Алексея Матвеевича – искусство большого человеческого созидателя. В его картины уходишь как в заповедный, чистый мир, которому нет начала и нет конца.

Василий Григорьевич Зуенко родился 20 декабря 1919 года в селе Ковалевка под Киевом. Все его предки были многодетными крестьянами, а он был единственным в семье. Его очень берегли, никуда не пускали, т.к. дети тогда болели разными инфекциями, и детская смертность была обычным делом. У маленького Васи было много увлечений, он любил книги, проявлял творческий подход в технической области. Когда в их деревню приехали на картошку студенты из художественного вуза, мальчик с замиранием сердца наблюдал, как из-под карандаша на листе бумаги возникает целый мир.

— Как это сделать, чтобы было так красиво? — спросил он студента.

— Там, где темнее, сильнее дави на карандаш, и всё.

Этот нехитрый профессиональный совет упал на благодатную почву.

Судьба Василия была предрешена. Он срисовывал с фотографий портреты, рисовал маслом цветы на стекле, расписал акварельными красками сельский клуб. Его стали приглашать в другие села, слава о нем разлетелась по всему району.

Когда отца арестовали, наступила очень тяжелая пора – голод, изгнание из дома как врагов народа. Василий выжил и спас мать благодаря своему рыбацкому умению – он плёл сети и добывал зимой из-подо льда гольянов.

В сороковом году Василия Григорьевича из Днепропетровского художественного училища призвали в армию, он прошел всю войну, а закончилась его военная кампания на Дальнем Востоке.

В Хабаровске капитану Зуенко было приказано сдать батарею и приступить к художественной работе в редакции газеты «На страже Родины». Потом началась гражданская жизнь. Но с полиграфией художник не расставался. Им было оформлено более семидесяти книг в Хабаровском книжном издательстве. Однако художника тянуло к живописи, к цвету.

Он стал одним из основоположников офорта и монотипии на Дальнем Востоке. Особый талант Василия Зуенко проявился в портрете. Его проницательность, умение почувствовать характер модели помогали избегать поверхностных характеристик. Как и многие дальневосточные художники, он обращался к теме, связанной с жизнью коренных народов Амура.

В жанре пейзажа художник работал немного, однако в коллекции Дальневосточного художественного музея есть несколько его пейзажей. Один из них – «Ранняя зима», написан в 70-ых годах прошлого века.

Мы видим момент в природе, когда листва еще не полностью облетела с деревьев, а снег уже выпал. Снег выглядит рыхлым и в цветовом решении лишен морозной свежести. Значительную часть работы занимает небо. Его синие, сиреневые оттенки создают ощущение погожего дня. Благодаря солнечным лучам деревья и ели приобрели яркие краски, и зима не отталкивает зрителя, а наоборот манит к себе.

Виктория Васильевна Романова родилась 24 августа 1951 года в хабаровской творческой семье. Её родители — заслуженный художник России Василий Евтропович Романов и известная драматическая актриса Татьяна Артемьевна Пронякова-Романова. В выборе будущей профессии Виктория пошла по стопам отца и стала не только интересным живописцем, но и той ниточкой, которая связала два поколения семьи, продолжив средствами избранного вида искусства земную жизнь ушедших родителей.

Мама художницы – Татьяна Артемьевна, работала во многих театрах страны, последним из них был хабаровский драматический. Рассматривая картину из фондов Дальневосточного художественного музея «Портрет мамы. Актриса Татьяна Пронякова», написанную в 1995 г., мы видим красивую женщину с яркими синими глазами и узлом светлых волос. Трудно поверить, что в её судьбе было немало испытаний: революция, годы сталинских репрессий, война… Пройдя через эти трудности, она была вознаграждена встречей с будущим супругом – Василием Романовым. Молодая семья после войны приехала на Дальний Восток, в Хабаровск, который в те годы был глухой провинцией. Старожилы вспоминали: встречая на улицах города эту красивую семейную пару, прохожие думали: «Если здесь на краю земли живут такие люди, то не все в жизни потеряно». В Хабаровске  у четы Романовых родилась дочь Виктория, дома ее звали Вита (от латинского vita «жизнь»). Детство Вита провела среди кулис и декораций в обществе таких же, как она, детей, чьи родители служили Мельпомене. И многие работы Виктории Васильевны посвящены театру. В них нет конкретных бытовых деталей, скорее душа закулисья, выраженная в грациозных, изысканных образах. Это обращение к детским воспоминаниям, к образу мамы, которая была хранительницей очага, душевным центром этой уникальной талантливой семьи. Теплые воспоминания о детстве помогают Виктории сохранять духовный стержень на протяжении всей жизни.

В.В. Романова  – участник более 60 выставок (краевых, республиканских, зональных, всесоюзных, персональных).

Ее произведения находятся в коллекциях российских и зарубежных музеев, а также в частных коллекциях.

Романюк Дмитрий Андреевич родился 3 апреля 1932 года в селе Буссевка Спасского района Приморского края. В 1949 году поступил во Владивостокское художественное училище. В 1964 году – Харьковский художественный институт, графический факультет.

  В 1966 году приехал в Хабаровск, преподавал в Хабаровском педагогическом институте на художественно-графическом факультете. Ему удалось совместить творчество с преподавательской работой.

Среди разнообразия графических и живописных материалов гуашь и линогравюра – главные привязанности художника. Мир гармонии и понимания царит в его работах.

Художник в своих сюжетах был неистощимо изобретателен. За всеми произведениями стоят фантазии художника, который настойчиво утверждает свое представление о счастье. Это представление пронизано поэзией детства, светлым началом жизни. Его гуаши «Лето», «Приморский поселок» – сплав действительности и лирического мечтания, декоративной живописности и мелодии ритмов.

  Для 60 – 70-х годов был характерен монтажный способ в графике. Художник динамично и разносторонне мог выразить в одном графическом листе несколько разных событий. Романюк отдал дань такому методу: графика, где человек покоряет космос, открывает новые месторождения, где показаны грандиозные стройки века – «Романтики», «Мы строим БАМ». Такая графика создавалась им как требование времени в сериях, состоящих из нескольких листов. Но душа художника отдыхала в рукотворной графике. Уютные уголки детства, дивные просторы родины, музыка леса, образы родных людей – эта сторона жизни больше волновала художника. Дмитрий Романюк привлекает внимание зрителя к малой родине: человеку следует как можно дольше хранить в себе воспоминания детства. К такой графике относится и «Портрет матери». Тихими, серебристыми линиями выделяется лицо женщины средних лет. Платок покрывает волосы. На первый взгляд портрет обычной женщины 70-х годов 20 века, но если продолжать рассматривать, то образ становится родным и близким, сродни иконному лику.

    Произведения художника находятся в собраниях: Дальневосточный художественный музей (г. Хабаровск), Хабаровский краевой музей имени Н.И. Гродекова, Картинная галерея им. А. М. Федотова (г. Хабаровск), Музей изобразительных искусств (г. Комсомольск-на-Амуре), Музейно-выставочный центр Забайкальского края (г. Чита), Сахалинский областной государственный художественный музей (г. Южно-Сахалинск).

Франц Николаевич Рисс родился в Москве в 1804 г. Художественное образование получил в Париже, в мастерской живописца барона Антуана Гро.

Франц Николаевич Рисс был известным в свое время портретистом и мастером бытовых композиций. К тридцати годам он становится модным в Петербурге художником. В начале 1830-х он создает получившие известность “Портрет молодой женщины в розовом платье” (1832), “Портрет князя Григория Петровича Волконского”, “Портрет поэта Василия Андреевича Жуковского” (оба — 1833), “Портрет князя Алексея Алексеевича Голицына с сыном Львом” (1835) и др. За портрет В.А. Жуковского Ф.Н. Рисс был удостоен в 1833 году звания академика портретной живописи. И в последующие годы художник демонстрировал свое высокое мастерство. В Третьяковской галерее находятся его работы “Цыганский табор в лесу” (1842) и “Автопортрет” (1843).

Преданность Франца Николаевича Рисса живописи и его активная деятельность по развитию русского изобразительного искусства привели в 1863 году к избранию художника почетным вольным общником Академии художеств.

Наконец, известно, что Ф.Н. Рисс наряду с известнейшими отечественными живописцами принимал участие в росписях Исаакиевского собора в Санкт-Петербурге.

Годы жизни 1804 – 1886.

В коллекции ДВХМ находится одна картина Франца Николаевича “Портрет матери художника. 1840-е”, она написана в лиричном реалистичном стиле. Пожилая женщина, изображенная на картине, явно позирует. Темные волосы уложены и спрятаны под чепец. Атласная блуза, украшена пышным кружевным воротником, поверх накинута шаль. Лицо её выражает сосредоточенность, смотрит она чуть в сторону, словно немного смущаясь. В том, как она изображена , чувствуется мастерство и одновременно любовь, которая придает картине особое очарование. Портрет чужого человека никогда не будет настолько живым и нежным. “Портрет матери” – словно благодарность всем матерям.

Лейтмотивом  насыщенной творческой жизни выдающегося русского художника Ивана Силыча Горюшкина-Сорокопудова неизменно была любовь к Родине, её неповторимому укладу жизни, патриархальности традиций, самобытности и непоколебимости устоев.

Появился на свет Иван Силыч  5 ноября  1973 года по старому стилю в небольшом поселке Тамбовской области. Его семью нельзя назвать зажиточной, глава семейства  был солдатом и бурлаком. После гибели родителей будущий художник познал тяжесть пребывания в сиротском приюте, а после того, как опеку над ним взяли саратовские мещане по фамилии Сорокопудовы, состоящие с ним дальнем родстве, вынужден был работать на пароходах «буфетным мальчиком».

При этом юноша проявлял страстную любовь к рисованию и в свободные минутки неизменно делал зарисовки в блокноте. Как будто компенсируя детскую утрату и лишения, судьба преподнесла ему бесценный дар, знакомство с П. Я. Пясецким, который, увидев очевидно талантливые рисунки юного Горюшкина-Сорокопудова, велел, не откладывая, отправляться в астраханскую школу-студию П.А. Власова. Именно здесь Иван Силыч  начал писать с натуры, подмечая тончайшие детали и штрихи. Большую роль в формировании художника оставило и обучение в Академии Искусств на курсе великого И.Е Репина.

Творчество Горюшкина-Сорокопудова с полным основанием можно рассматривать как некое звено, соединившее «век нынешний и век минувший». Это был художник, через всю свою жизнь пронесший принципы передвижничества. Ни в годы расцвета «Мира искусства», ни в пору «Бубнового валета» или «Голубой розы», ни позднее, во время распространения конструктивизма, его не коснулось ни одно из новых веяний искусства XX столетия.

Неизменной движущей силой творчества Ивана Силыча была любовь к человеку, бережное отношение к личности, которое более всего проявилось в портретах современников, виртуозно написанных. К числу несомненных удач художника относится портрет матери жены. Сам рано лишившийся материнской ласки, он создал образ спокойной, умиротворенной старости. Полотно написано в теплой коричнево-оранжевой гамме, что придает ему особую эмоциональную приподнятость. Образ  пожилой женщины в накинутом на плечи платке полон внутреннего благородства. Полотно находится в постоянной экспозиции залов русского искусства ДВХМ.

Марианна Георгиевна Татьянина родилась 27 ноября 1951 года в Ленинграде. С 1963 по 1970 гг. получала образование в средней художественной школе при институте им. И.Е. Репина.
В 1970 – 1977 гг. училась в институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (Ленинград) на живописном факультете в мастерской народного художника Ю. М. Непринцева, автора знаменитой картины «Отдых после боя». Всю институтскую профессуру составляли бывшие фронтовики. И тема Великой Отечественной красной нитью проходила через обучение студентов.

Над своей большой дипломной картиной «Встреча, год 1942» Татьянина работала много месяцев. Чтобы добиться полной достоверности в написании бытовых деталей и прочувствовать дух того времени, ходила в музей истории Ленинграда, всматривалась в газетные фотографии военных лет.

В 1977 году Марианна Татьянина по распределению приехала на Дальний Восток в Хабаровск.

Почти одновременно с Татьяниной сообщество хабаровских художников пополнили выпускники Московского института им. Сурикова Владимир Уфимцев, Борис Федоровский, Владимир Селиванов, Леонид Шилов, Николай Вдовкин. С первой же коллективной выставки, в которой она приняла участие, Татьянина обратила на себя внимание коллег и ценителей живописи. Пленительно женственная, нежная, с мягким певучим голосом, она словно светилась изнутри. И таким же неуловимо-загадочным светом были пронизаны ее работы.

Уже на третий год после приезда в Хабаровск Марианну Георгиевну принимают в Союз художников. Портреты ее кисти приобретают Дальневосточный художественный музей и музей ДВО, дирекция художественных выставок РФ, Министерство культуры России, различные художественные галереи.

Марианна Татьянина – живописец ярко выраженного лирического темперамента. Ее картины – это поистине зеркало души, чрезвычайно восприимчивой к окружающему миру, к его красоте. Ранние работы проникнуты эмоциональностью, искренней радостью жизни. Мастер любит яркие, сочные, цветные краски, возможно, поэтому в ее произведениях значительное место уделяется цветам. К таким картинам и относится картина «Поздние цветы» («Портрет дочери»), написанная в 1986 году.

В 90-е годы в портретных образах появляется чувство грусти и мимолетности времени, возможно, поэтому была выбрана техника акварели с пастельной проработкой.

М. Татьянина – участник городских, краевых, зональных, республиканских, всесоюзных и международных выставок с 1978 года.

  Произведения М. Г. Татьяниной находятся в собраниях: Дальневосточном художественном музее (г. Хабаровск); Музейно-выставочном центре Забайкальского края (г. Чита); Приморской картинной галереи (г. Владивосток); Музее современного искусства ЕАО (г. Биробиджан); Картинной галереи им. А. М. Федотова (г. Хабаровск); Городской картинной галереи г. Находка.

Сегодняшний рассказ рубрики «Записки о художниках» посвящен имениннику этого месяца Владимиру Михайловичу Торгашину!

Владимир Михайлович родился 22 октября 1933 года в г. Минусинске Красноярского края. В 1971 году окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. В 1981 году был принят в члены Союза художников СССР. Заслуженный художник Российской Федерации с 2005 года.

Он лауреат премии администрации Хабаровского края в области изобразительного искусства (1998), лауреат премии администрации города Хабаровска в области изобразительного искусства (2002) в номинации: живопись, награжден грамотой секретариата Союза художников РСФСР и дипломом Союза художников России.

Владимир Михайлович  работает в жанре тематической картины.  Большое место в творчестве уделено и пейзажу, где художнику удается передать многообразие оттенков и игры цвета в отражении меняющегося неба.

Торгашина также  интересуют исторические события, происходившие на российской дальневосточной земле. Историческая тематика требует значительных поисков, подготовительных этюдов, рисунков персонажей.

Картины Владимира Торгашина это, как правило, люди и места, которые коснулись его жизни. Вся биография этого человека состоит из постоянных путешествий в разные уголки страны, чтобы шлифовать свое мастерство как рисовальщика и живописца. На протяжении многих лет художник путешествует по всему Дальнему Востоку, со своим этюдником он исходил сотни амурских дорог. Странник по духу, Владимир Михайлович всю жизнь стремится открывать новые горизонты.  В своих произведениях художник отражает увиденный и прочувствованный многогранный реальный мир природы. Он много работает с натуры, общается с людьми, изучает жизнь, стремится передать ее многогранность в своих произведения. Поездки  по Дальнему Востоку дали возможность познакомиться с бытом и культурой «очень красивого и доброго народа» – именно так художник называет нанайцев. Многие из них стали героями его картин.

Произведения Торгашина находятся в собраниях Дальневосточного художественного музея, Хабаровского краевого музея им. Н. Гродекова, Музейно-выставочного центра Забайкальского края, Музея современного искусства ЕАО, Картинной галереи им. А. Федотова, Государственного музея изобразительных искусств (Харбин).

Тамулевич Бронислав Владиславович родился 8 февраля 1957 года в Хабаровске. Окончил художественно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического института в 1979 году. Учился будущий художник у Дмитрия Андреевича Романюка вместе с Евгением Базилевичем, Валентином Зыковым, ставшим впоследствии мастером по керамике. Бронислав Тамулевич как мастер изобразительного искусства отдаёт предпочтение акварели и рисунку. Он тяготеет к легкости и импровизации в портрете, пейзаже и натюрморте, которые полно представлены в его творчестве.

 На акварельных листах – узнаваемый Хабаровск в разные времена года. Его городские пейзажи камерны и лиричны, это своего рода поэтический дневник.  «Героем» пейзажей может стать не только городская улица, но и стена или угол дома с облупившейся краской. Акварели Бронислава Тамулевича наполнены мягким , чуть светящимся туманом, всё неявно и зыбко. Краски смешаны в сложных сочетаниях, чуть размыты силуэты, в них есть фактурные эффекты, благодаря напылениям и специальной экспериментальной подготовке материала. Портреты своих учеников и вообще современников он выполняет быстро, на одном дыхании. Из воспоминаний художника: «Люблю рисовать детей, когда они заняты своим делом. Пластика у детей удивительная. Вообще, портрет как жанр – нравится. Позабытый, по сути, жанр. Почему нравится? Портрет- это психология. Потом фактура. Каждый портрет требует своей фактуры. Самые доступные натурщики Лёха и Рома – сыновья. Они – к телевизору. Я к ним – с карандашом.»

В фондах музея находится работа «Патиза» 1999 , выполненная в смешанной технике (гуашь, акварель, пастель). Портрет девушки в желтовато- охристой гамме завораживает тонкими цветовыми переходами. В рисунке чувствуется недосказанность, которая разжигает любопытство: а как бы пошла линия дальше, а что художник думал в это время и почему рисовал именно так, а не иначе.  Творческая энергия художника была направлена на поиски новых дизайнерских решений в проектах музейных интерьеров (2004 – оформление экспозиция Музея истории города; 2005- экспозиция в краеведческом музее им. Н.И. Гродекова, посвящённая хабаровчанам в годы ВОВ 1941-1945 гг.)

Тридцать первого июля 2017 перестало биться сердце Бронислава Тамулевича – уникального человека и Человека с большой буквы.

  Сахатов Валерий Таганович родился 1 октября 1947 года в г. Николаевске-на-Амуре. 

  В 1971 году окончил художестввенно-графический факультет Хабаровского государственного педагогического университета. Учился у Евгения Михайловича Фентисова. Работал на кафедре рисунка и живописи законченного им факультета. В 1982 году переехал в Москву. 

  Творчество Валерия Сахатова условно можно разделить на несколько периодов: Хабаровск, Москва, Гурзуф.

Хабаровский период связан с формированием тонкой, чувственной живописи, интуитивными поисками передачи света и цвета, подобно первым впечатлениям, которыми руководствовались импрессионисты. 

В ранних работах важным образом, пропущенным через душу художника, является Амур, амурские пейзажи, амурские жители. Природа для художника становится, прежде всего, объектом собственного художественного мышления. Ощущения света, пространства, воздуха, заложенные с детства и развитые благодаря великолепному художнику и педагогу Евгению Фентисову, перерабатываются и интерпретируются в цветовые пятна и разнообразные фактурные, силуэтные и ритмические формы. Значительная роль цвета подчеркивается названием живописных работ: «Красный вечер» (1980); «Светлый день» (1982); «Голубой день» (1983); «Белый пароход» (80-е годы).  

К концу этого периода относится картина «Дождь в лесу», созданная в 1982 году, перед отъездом в Москву и началом нового, «абстрактного» периода. 

Картина отличается лаконичностью детских образов и сдержанностью цветовой палитры. Фигуративность и сюжет отступают на второй план, Главное – это острое переживание цветовой поверхности как живописного пространства. Изобразительная плоскость обрабатывается новой техникой письма с добавлением воска, кладкой краски мастихином, прикосновением кисти и нанесением фактуры лезвием.  

Валерий Сахатов – один из немногих современных художников абстрактного направления, который, вобрав достижения мирового искусства – французский импрессионизм, фовизм, русский конструктивизм и древнерусскую иконопись, создает индивидуально-авторские «интеллектуальные» произведения. 

  В настоящее время Сахатов В.Т – член Московской организации ВТОО «Союз художников России» (МОСХ), участник международных, всероссийских, республиканских, персональных выставок. 

 Его работы находятся в собраниях: Дальневосточного художественного музея (г. Хабаровск); Приморской государственной картинной галереи (г. Владивосток); Сахалинского государственного областного художественного музея (г. Южно-Сахалинск); Музейно-выставочного центра Забайкальского края (г. Чита); Картинной галереи им. А.М. Федотова (г. Хабаровск); в коллекции Дойче Банк (Германия). 

Карл Николаевич Каль (1873-1938) – художник-импрессионист, ставший в 1930-е годы одним из родоначальников школы пейзажной живописи Дальнего Востока.

Немец по национальности, он родился и вырос в Риге. В 1898-м окончил в Германии Дюссельдорфскую академию искусств. Академическое образование и творческое влияние французских импрессионистов сформировали собственный стиль мастера, который был отмечен на многих выставках, среди них – выставка в залах Императорской академии художеств, Всемирная выставка в Сент-Луисе (США).  Затем художник уехал в Россию, жил в Витебске, а с 1912-го обосновался на постоянное жительство во Владивостоке.

Владивосток тогда был молодым городом, и каждый творческий человек, который приезжал сюда, способствовал формированию культурной среды. Благодаря Карлу Николаевичу приморское искусство открыло для себя передовую для того времени живописную культуру европейского образца.

Каля вдохновляла дальневосточная природа, он изумлялся цветовому контрасту: яркому небу, солнцу, сияющему морю, сочным и в то же время нежным оттенкам травы, цветов, деревьев. Во Владивостоке он создал множество прекрасных пейзажей и натюрмортов, которые сохранились в музеях и немногочисленных частных коллекциях.

В собрании Дальневосточного художественного музея представлены четыре пейзажа Карла Каля, написанные в окрестностях Владивостока. На одном из них, «Осень на Лянчихэ», мастер изображает погожий осенний день на реке Богатой, или как до сих пор ее называют в народе на китайский манер Лянчихэ — самый полноводный из внутренних водоемов Владивостока. Название Лянчихэ переводится как «река двух притоков». О ней было известно практически со времен основания Владивостока. В конце XIX века на ее берегах стали рубить лес и сплавлять по воде во Владивосток для строительства новых зданий. Однако долгое время Лянчихэ была уголком первозданной природы, манящим первых жителей Владивостока на отдых и рыбалку. Река была нерестовой, сюда заходили лососевые, обитало множество речных рыб — форель, гольяны, караси и сомы. Богатыми были и прилегающие к реке дремучие леса. Здесь росли вековые дубы и кедры, обитали медведи, лисы, зайцы, дикие копытные, захаживал сюда и амурский тигр.

Это зрелая импрессионистическая работа. Художник тонко дает возможность зрителям почувствовать прозрачность прохладного воздуха, насыщенность красок осенней природы. Работа пропитана воздухом, солнцем, свежестью, смелые пастозные мазки создают легкую рябь на поверхности воды. Все это создает самое главное для Каля – световоздушную среду одного из мимолетных состояний уникальной природы Приморского края.

Художник не имел прямых учеников, но его произведения стали своеобразным проводником великих открытий, сделанных его предшественниками, и нашли продолжение в многочисленных и разнообразных работах художников Дальнего Востока последующих поколений.

Сегодня в нашей постоянной рубрике «Записки о художниках» речь пойдет о многогранном художнике Геннадии Матвеевиче Кутурове.

Геннадий Матвеевич родился 15 июня 1937 года в селе Кошки Куйбышевской области. В 1965 году окончил художественно- графический факультет Хабаровского государственного педагогического института. Учился у Евгения Фентисова.

Каждый год Кутуров уезжал на Сахалин и привозил оттуда целые стопки этюдов. Море, очевидно, было второй его любовью после любимых женщин: жены Жени и дочери Вики. Он ничего не придумывал, а писал природу как бы оставшись наедине с небом, рекой, морем. И поэтому в его этюдах так отчётливо шумит море.

Кроме живописи и графики Геннадий Матвеевич занимался дизайном, его плакаты получали премии на всесоюзных выставках. А ещё он работал в уникальной технике бумажной вырезки. Острым лезвием виртуозно вырезал сложные сюжеты и наклеивал тонкое кружево на плотную бумагу.

Из воспоминаний Александра Лепетухина: « Геннадий Кутуров рисовал только Рай. Во всех его картинах тишина и гармония. Творчество его очень интимно. В нём много печали».

Творческое наследие мастера свидетельствует о художнике, отразившем общечеловеческие ценности, умеющем предчувствовать события, ценить жизнь во всех её проявлениях.

Кутуров – участник городских, краевых, зональных, республиканских и всесоюзных выставок. Его произведения хранятся в Дальневосточном художественном музее (г. Хабаровск); Музейно- выставочном центре Забайкальского края (г. Чита); Картинной галерее им. А.М. Федотова (г. Хабаровск); Музее современного искусства ЕАО (г. Биробиджан).

В коллекции ДВХМ находится картина «Пруды осенью», написанная художником в 1986 году. Как завораживают городские пруды Хабаровска своей красотой и яркими красками осени! Деревья надели золотисто-красные наряды. Несколько мазков и мир становится другим. Молодой вяз в центре композиции и стройные берёзки создают цельность и гармонию картины. Небо серого цвета. Такой цвет создаёт контраст с общей жёлто-зелёной гаммой, что царит вокруг. Облетают листья, создавая на водной глади «зеркальца». Пейзаж немного грустный, почти безлюдный, но безусловно изысканный и прекрасный.

Ушёл из жизни Геннадий Кутуров в 1999 году.

В нашей постоянной рубрике «Записки о художниках» мы уже говорили о талантливом мастере Иване Сергеевиче Петухове, и речь шла о его работе на тему Великой Отечественной войны – «Васильки». Бесконечно лиричная и наполненная надеждой эта работа мастера отлично передаёт атмосферу простой человеческой радости, вопреки даже самым страшным невзгодам. Память о войне художник пронёс через всю жизнь и периодически возвращался к этой теме в своём творчестве. Но не ускользали от него и характеры мирного времени.

В День знаний, когда ученики возвращаются в школы после каникул, а многие и вовсе впервые садятся за школьную парту, работа Ивана Сергеевича «Портрет нанайского мальчика в школьной фуражке» вторит их праздничному, но не по-детски серьёзному настрою брать новые вершины в учёбе.

Ивана Сергеевича называли мастером тематической картины – жанра, который давал право считаться мастером высшей категории. Реализм Ивана Сергеевича – это реализм, совмещающий правдивость визуальных деталей и атмосферу мечты о социалистическом строе. Однако ни отталкивающей лжи, ни уродливого гротеска не найти в работах художника. Так может писать только человек, преданный своей стране и разделяющий её идеалы. Глядя на его работы понимаешь, что именно искренность и душевная теплота автора возвращают нас в прошлое с добрыми ощущениями.

В период с 1963 по 1969 годы художником созданы произведения о севере Хабаровского края. Север – это особое мироощущение, и Сергей Иванович смог передать это в своих произведениях с удивительной проникновенностью. Художник понимал, как тяжело выжить в суровых условиях севера. Он побывал на стойбищах, создал сотни этюдов северной природы, натурные эскизы детей. Ивану Сергеевичу было не сложно найти общий язык с любым жителем Амура, будь то рыбак или охотник. Многочисленные поездки по реке, знакомства с местным населением дали уникальный материал для достоверного воплощения характеров жителей Приамурья.

Иван Сергеевич Петухов – участник всесоюзных, республиканских, зональных, краевых выставок с 1956 года. В 1994 году была организована посмертная выставка художника, на которой были представлены 139 произведений живописи.

Род Лансере подарил миру не одного художника, известного зрителю своим мастерством. Говорить о них без путаницы весьма сложно, так как всех старших сыновей в роду с третьего поколения было принято называть Евгениями.

И все они занимались искусством. Поэтому Евгения Александровича Лансере часто называют Лансере I. Его сына – Евгения Евгеньевича – Лансере II. Были так же и Лансере III, и Лансере IV.

Евгений Александрович Лансере родился 24 августа 1848 года в Моршанске. Был внуком французского офицера наполеоновской армии Поля Лансере, оставшегося в России после войны с Наполеоном, сначала — раненым пленным, потом — полноправным гражданином, женившимся на выходившей его немке Ольге Карловне фон Таубе.

Скорее всего, фамилия изначально являлась псевдонимом, так как отследить её дальше Поля Лансере не возможно. Евгений Лансере IV, правнук Евгения Александровича, писал, что так, возможно, французский офицер скрывался от правления Наполеона. Такая практика была весьма распространена в те годы среди бывших подданных Первой империи Наполеона Бонапарта.

В 1815 году у Поля и Ольги Карловны родился сын — Людвиг-Александр Лансере, женившийся в 30 лет на Элеоноре Антоновне Яхимовской. Спустя ещё 4 года у молодой пары появится первенец – Евгений-Болеслав-Волдемар Лансере-младший, то есть, Евгений Александрович Лансере или Лансере I.

Евгений Александрович с детства в своих работах выбрал тему, которой будет увлечен всю жизнь, — лошадей. В 1861 году он вместе с семьёй переезжает в Петербург, где оканчивает 2-ю Санкт-Петербургскую гимназию и юридический факультет Петербургского университета.

В искусстве, которым и во время учебы продолжал заниматься, так и остался самородком-самоучкой, пользуясь лишь советами российского скульптора Николая Ивановича Либериха. В 1872 году за свои работы получает от Академии художеств звание классного художника 1-й степени. В 1874 году был признан почетным вольным общником Академии художеств.

К сожалению, скульптор, создавший около 400 произведений в бронзе, и ещё сотни рисунков и эскизов, а так же ставший прославленным конезаводчиком, исполнив мечту детства, ушёл из жизни очень рано – в 38 лет от туберкулёза.

Николай Борисович Терпсихоров считается одним из самых характерных мастеров соцреализма. В настоящее время, к сожалению, его имя почти не упоминается в разговорах о советских художниках и оттого вдвойне обидней, ведь именно Николай Борисович стоял у истоков Ассоциации художников революционной России, самой многочисленной и мощной из творческих групп 1920-х годов, которая стала предшественницей Союза художников СССР.

Не смотря на, казалось бы, подавляющую программность искусства тех лет, полотна Николая Борисовича наделены какой-то особой непосредственностью и наполнены тёплым внутренним светом.

Вера художника в советское общество выразилась не в гротескных формах партсобраний или стачек, а в простых радостях обычного человека. Работы художника вдохновенны и наполнены целым спектром эмоций, которые покоряют сердце смотрящего.

Родился художник в 1890 году в Петербурге, когда ему было три года, семья переехала на постоянное жительство в Москву. С 1907 по 1910 годы учился живописи в художественной школе у Константина Фёдоровича Юона и Ивана Осиповича Дудина и посещал занятия в школе живописи и рисунка Василия Никитича Мешкова.

В 1911 году поступает в Московское училище живописи, ваяния и зодчества, где его учителями становятся Николай Алексеевич Касаткин, Аполлинарий Михайлович Васнецов и Константин Алексеевич Коровин.

От последних Николай Борисович перенял способность чувствовать и передавать поэтичность и красоту русской природы.
В 1917 году художник вступает в Красную Армию.

Прошел всю Гражданскую войну, оставившую глубокий след в его сознании. После войны Николай Борисович выступает одним из учредителей АХРР, где наряду с Павлом Александровичем Радимовым, Николаем Митрофановичем Никоновым, Петром Митрофановичем Шухминым и другими развивал стиль соцреализма.

Николай Борисович с большим интересом ездил и изучал различные места страны. Впечатления от поездки по Узбекистану и Туркмении легки в основу целого цикла картин. В годы Великой Отечественной войны художник обращается к военной теме, решая её то в героическом, то в более близком ему жанровом ключе. Главной темой творчества мастера послевоенных лет становится пейзаж.

Владимир Егорович Маковский родился 7 февраля 1846 года в семье видного деятеля искусств Егора Ивановича Маковского, одного из основателей Московского училища живописи, ваяния и зодчества.
С детства Владимира Егоровича окружала атмосфера искусства.
С ранних лет отец учил своих детей рисовать. В доме отца собирались известные люди: Михаил Иванович Глинка, Николай Васильевич Гоголь, Михаил Семёнович Щепкин, Карл Павлович Брюллов, Василий Андреевич Тропинин, Сергей Константинович Зарянко.
Последние занимались с детьми, разрешали посещать свои мастерские.
В доме Маковских устраивались литературные, рисовальные и музыкальные вечера. Эта семья дала целую плеяду деятелей искусства – ими стали четверо детей Егора Ивановича и трое внуков.
Свою первую картину Владимир Егорович Маковский написал в семь лет — изобразил одного из родительских гостей. Под руководством отца начинающий художник копировал гравюры. С матерью Владимир Егорович занимался музыкой.
В 1861 году Владимир Егорович Маковский поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он занимался в классе художников Сергея Константиновича Зарянко и Евграфа Семёновича Сорокина, учеников Алексея Гавриловича Венецианова.
В 1870 году Владимир Егорович стал одним из 15 художников, которые подписали устав Товарищества передвижных художественных выставок. В 1872 году его приняли в члены Товарищества, а еще через год художник вошел в правление общества. С этого момента он принимал участие почти во всех выставках передвижников.
Со временем он почти перестал писать картины с юмористическими сценками. В его работах появилась социальная тема. Он писал портреты нищих и бедняков.
В начале 1870-х годов чтобы заработать деньги для семьи, художник рисовал иллюстрации для журналов, расписывал плафоны и вазы.
В 1880-е годы Владимир Егорович несколько раз ездил на Украину, бывал в Крыму. В 1885 году он представил на выставке передвижников 45 картин.
Большая часть из них — сценки из жизни местных жителей и их портреты. Историк искусства и драматург Пётр Петрович Гнедич писал о его украинских полотнах: «Владимир Маковский отличается легкостью письма при живой наблюдательности и природном юморе”

«Художник не может быть равнодушен к тому, что происходит вокруг: сопереживание должно быть заложено в нем от природы. А вот реакция на происходящее может быть самой разной», – эти слова художника Николая Николаевича Чувахина как нельзя лучше характеризуют его подход к собственному творчеству.

«Многие художники стараются уйти в некую таинственность и загадочность. А для меня важнее всего в искусстве свет, духовное начало – даже не в религиозном смысле, а шире.

И чтобы художественный язык был понятен каждому – и образованному зрителю, и ребенку, и деревенскому мужику…». Так, без лишней патетики, описывает Николай Николаевич свои картины.

Действительно, его творчество представляется удивительно цельным, а главной задачей художника видится утверждение добра и красоты, выражение лирического, светлого отношения к жизни.

Родился Николай Николаевич Чувахин в 1947 году в городе Малая Вишера Новгородской области. В 1968 году окончил Ташкентское художественное училище им. П.П. Бенькова у известного в Республике художника-педагога Евгения Павловича Мельникова, народного художника Узбекистана, выдающегося мастера портретной живописи, натюрморта, пейзажа и анималистических композиций.

В 1977 году окончил живописный факультет Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств СССР по мастерской профессора Юрия Михайловича Непринцева, художника-живописца, графика и педагога, народного художника СССР. Дипломной работой стала картина «Первопроходцы».

После окончания института работал в городе Комсомольск-на-Амуре. Следуя требованиям времени и душевному порыву совершает творческие поездки на Камчатку, Курилы, Сахалин, на строительство БАМа.

С 1995 года Николай Николаевич живёт и работает в Твери.
Участник художественных выставок с 1979 года, в том числе краевых «60 лет освобождения Дальнего Востока», «Художники Хабаровского края», «40 лет Победы», «70 лет Октября» и других; республиканских «Мы строим БАМ», «Советская Россия», всесоюзных «Голубые дороги Родины», всероссийской выставки в Москве в 1998 году и других.

Евгений Николаевич Якуб – удивительный мастер цветоносных полотен. Колористический строй (по аналогии с музыкальным) его работ поражает выверенной гармонией и внутренней силой. Каждый тон точно соотнесён с другими, а их соседство и рождает то, что мы называем красотой. В разных источниках напротив имени Евгения Николаевича значатся сухие определения, вроде «советский художник-график», «живописец», «педагог». Каждое из них, конечно же, правдиво, но не отражает всю степень таланта этого самобытного художника. Впрочем, даже слово «самобытный» звучит по отношению к Евгению Николаевичу банально.
Родился Евгений Николаевич Якуб в Твери в 1888 году. В 1911 году окончил Высшее Строгановское училище технического рисования. Впоследствии продолжил своё художественное образование в частной школе профессора Анатолия Михайловича Адашева, известнейшего художника, создателя множества советских поздравительных открыток, ставшего позже ещё и плакатистом, в том числе создававшим и киноплакат.
С 1922 года Евгений Николаевич Якуб активно занимался художественной и выставочной деятельностью, участвуя во многих выставках и, прежде всего, – в выставках Московского Товарищества Художников (МТХ).
В эти же годы начинается его преподавательская деятельность, в которой он достиг выдающихся результатов. С 1925 года вместе с Сергеем Арсеньевичем Матвеевым он является организатором и практически бессменным профессором знаменитого Московского государственного академического художественного училища памяти 1905 года.
Художник и педагог Сергей Арсеньевич Матвеев ещё до этого события сумел зарекомендовать себя как создатель новой программы обучения, которая заложила фундамент новой профессиональной художественной школы, а так же был создателем ещё одного учебного заведения – Ярославского художественно-педагогический техникума. Для Евгения Николаевича сотрудничество с таким сподвижником художественного образования стало бесценным подарком.
Его учениками в разные годы становятся: Вера Ипполитовна Аралова-Петерсон, Борис Никанорович Попов, Михаил Александрович Исиченко.

Талантливый художник Кирилл Иванович Шебеко множество раз доказывал зрителям, что мастерство – это сопряжение внутренней искры и титанического труда, какой обычно прикладывают для огранки драгоценных алмазов.
Кирилл Иванович — один из первооткрывателей северной темы в русской реалистической живописи. Пейзажи Чукотки, Камчатки, Сахалина, Курильских и Командорских островов, экспонировавшиеся на выставках в России и за рубежом, принесли мастеру широкую известность.
Именно за цикл пейзажей Дальнего Востока он получил звание лауреата Золотой медали Российской академии художеств.
Кирилл Иванович Шебеко родился в селе Циммермановка Нижне-Амурской области Хабаровского края 20 мая 1920 года.
Вырос в семье охотника. До 16 лет вместе с братом помогал родителям вести хозяйство: косил траву, копал картошку, рыбачил. Нелёгкий труд способствовал выработке сильного характера, упорства в достижении цели и трудолюбия.
После окончания сельской семилетней школы с 1936 года по 1940 учился в Благовещенском художественно-педагогическом училище у Петра Сергеевича Евстафьева, художника живописи, графики, рисовальщика и видного педагога, ученика самого Ильи Ефимовича Репина.
В 1940 году его призвали на действительную службу, а в 1941 году курсант Шебеко по личному заявлению добровольцем ушёл на фронт. Был тяжело ранен.
Весной 1943 году Кирилл Иванович был демобилизован из армии по ранению как инвалид II группы. Среди его военных наград имеются Орден Славы III степени, орден Отечественной войны II степени, многочисленные медали и знак «Художник-ветеран Великой Отечественной войны».
С 1943 по 1950 годы Кирилл Иванович учился на живописном факультете Института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина Академии художеств СССР. Учёбу окончил по мастерской профессора Рудольфа Рудольфовича Френца дипломной работой «Капитуляция Германии».
С 1950 года Кирилл Иванович жил во Владивостоке, фактически встав у истоков создания самобытной, неповторимой приморской школы живописи.
К 1970-м годам ему удалось выработать свой индивидуальный художественный почерк в живописной технике известной как пуантилизм.

Олег Юрьевич Яхнин – выдающийся художник, график и иллюстратор нашего времени.
С его рисунками знаком, наверное, каждый второй житель нашей страны, причём многие даже не соотносят их с именем автора, считая классикой, которая всегда была и всегда будет.

Родился великий мастер иллюстрации в 1945 году в городе Лесозаводске, на Дальнем Востоке. В 1966 году окончил Владивостокское художественное училище. В 1973 году окончил Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры
им. И.Е. Репина.

К настоящему моменту художником проиллюстрировано более 60 книг, среди которых произведения Корнея Ивановича Чуковского, Фридриха Наумовича Горенштейна, Астрид Линдгрен, Роберта Грейвса.
Его иллюстрации к «Истории одного города» Михаила Евграфовича Салтыкова-Щедрина, «Крошке Цахесу» Эрнста Теодора Амадея Гофмана, «Войне с Ганнибалом» Тита Ливия, рассказам Антона Павловича Чехова стали классикой книжной графики.

Среди работ художника выделяется монументальный цикл иллюстраций к «Фаусту» Иоганна Вольфганга Гёте, изданный в 2005 году. Художник сотрудничал с издательствами «Художественная литература» (Ленинград), «Детгиз» (Ленинград), «Детская литература» (Москва), «Малыш» (Москва), «Книга» (Москва), «Лениздат» (Ленинград), «Лимбус-пресс», «Вита Нова», и со многими другими издательствами Хабаровска, Владивостока, Красноярска, Саратова, Воронежа, Екатеринбурга и других городов России.

Так же Олегом Юрьевичем созданы циклы иллюстраций к роману Кена Кизи «Над кукушкиным гнездом», к юбилейному изданию «Рассказы» Антона Павловича Чехова, и юбилейному изданию Даниила Гранина в издательстве «Вита Нова». Художником созданы офорты к книгам «Славянские мифические существа», «Семь смертных грехов», «36 китайских стратагем».

Сегодня Олег Юрьевич Яхнин является признанным мастером живописи, станковой и книжной графики, Заслуженный художник России (2003), член-корреспондент Российской Академии Естественных наук, член Санкт-Петербургской Академии современного искусства, член-корреспондент Академии гуманитарных наук.

Василий Фёдорович Бордиченко – советский художник-монументалист, книжный график и иллюстратор. Яркий представитель соцреализма и его последовательный сторонник. Профессор Строгановского училища и лучший ученик Дмитрия Николаевича Кардовского, ставший так же главным художником архитектора Алексея Викторовича Щусева.
Автор масштабных монументальных работ, таких, как мозаичные панно станции московского метрополитена «Автозаводская». Как иллюстратор создавал разнообразные картины на детские темы. Особую симпатию испытывал к произведениям Николая Васильевича Гоголя. Художник оставил великолепную коллекцию гоголевских персонажей и композиции из их жизни.
Родился Василий Фёдорович в городе Армавире Кубанской области в 1897 году. В 1920 году окончил Ростовское художественное училище. Учился в Академии художеств, затем в студии у Дмитрия Николаевича Кардовского.
В течение ряда лет художник работал в Учпедгизе, где и написал много картин на детские темы, с которых потом делались репродукции, служившие пособием для школ.
Позже стал преподавать во ВХУТЕМАСе. Своим ученикам передал основы собственной системы изображения формы в рисунке. Все ученики его мастерской учились и работали вместе, выполняя крупные монументальные росписи на ВСХВ (ВДНХ, 1939 год).
Многие его ученики стали народными, заслуженными, лауреатами, академиками.
В 1932 году Василий Фёдорович становится членом Союза советских художников. В 1948 году ему поручают заведовать кафедрой монументально-декоративной живописи в Московском высшем художественно-промышленном училище, реорганизованном в том же году из ВХУТЕИНа (бывшее ранее ВХУТЕМАСом, а до этого – Строгановским училищем).
Принимал участие в проекте неосуществленной диорамы «Оборона Царицына» (1932). Соавтор проекта неосуществлённой диорамы «Восстановительный период» (1934).
После войны работал над эскизами мозаик и витражей для станций «Новослободская» и «Комсомольская» московского метрополитена (совместно с Павлом Дмитриевичем Кориным и Борисом Владимировичем Покровским).
Умер Василий Фёдорович Бордиченко в 1982 году .

22 июня 1941 года началась Великая Отечественная война.

Её пожар заполыхал, когда почти вся Европа уже была поражена вирусом фашизма.

Но стойкость русского народа сорвала планы фашистов на молниеносную войну с Союзом Советских Социалистических Республик и предрекла гибель Третьего Рейха.Труд художников военного времени, а так же тех, чьё творчество посвящено тем страшным годам, трудно переоценить.

Их живопись, графика, скульптура – яркие иллюстрации жизни военного времени. Одним из многочисленных художников, обращавшихся к теме Великой Отечественной войны, был Олег Владимирович Васильев.

Олег Владимирович родился 4 ноября 1931 года в Москве. Художественное дарование у юного Олега проявилось ещё в детстве, когда он начал срисовывать с открыток с картинами Ивана Ивановича Шишкина и Михаила Маркиановича Гермашева, который ему нравился особенно сильно.

Ему было неполных десять лет, когда началась война. Затем была эвакуация и возвращение в Москву. После этого, как признавался сам художник, стало безразличным то, что было интересным раньше. Рисование совершенно ушло из его жизни.

С 1947 года он начал посещать Московскую среднюю художественную школу, в которой проучился до 1952 года, а с 1952 по 1958 годы Олег Владимирович учился на графическом факультете Московского Государственного Художественного института имени В.И. Сурикова на графическом отделении.

Со времени окончания института до эмиграции в Америку – более тридцати лет – Олег Владимирович работал совместно с его друзьями юношества Эриком Владимировичем Булатовым и Ильёй Иосифовичем Кабаковым иллюстраторами детских книг для издательств «Детгиз» и «Малыш». Эрик Владимирович Булатов позже станет одним из самых известных современных российских художников — основателей соц-арта. Характерным и узнаваемым творческим методом Эрика Владимировича Булатова является столкновение плакатного текста с фигуративной составляющей.

Илью Иосифовича Кабакова же будут считать основателем московского концептуализма. Такие подходы отлично сочетались с творческим методом самого Олега Владимировича Васильева, который в 1967 году был принят в Союз художников СССР.

Когда речь заходит о Витольде Каэтановиче Бялыницком-Бируле обычно останавливают своё внимание на том, что этот с детства одарённый художник являлся продолжателем традиций русского лирического пейзажа XIX в. Ученик Сергея Алексеевича Коровина, Василия Дмитриевича Поленова и Иллариона Михайловича Прянишникова. Именно  по совету последнего Витольд Каэтанович и поступил к ним на курс в Московское училище живописи, ваяния и зодчества сразу после Киевской рисовальной школы Николая Ивановича Мурашко, человека в чём-то близкого идеалам передвижников, чья рисовальная школа дала пропуск в профессионалы многим художникам, среди которых был и будущий пейзажист Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля.

Родился художник в Могилевской губернии, в Белоруссии в 1872 году. Отец служил в днепровском пароходстве и часто брал сына в плавание по Днепру, Припяти и Сожу. Именно из детства вынес юный Витольд понимание той особой жизни, которой живет природа. Мальчик очень рано начал рисовать, воплощая всё увиденное им в своих рисунках.

В Москве работал в мастерской Исаака Ильича Левитана, проникнувшись к нему глубочайшим уважением. В будущем даже свой дом с мастерской художник построит недалеко от тех мест, где часто работал Левитан.

Вскоре молодой художник обратил на себя внимание Павла Михайловича Третьякова, который с выставки в 1892 году купил его картину «Из окрестностей Пятигорска». С 1897 года Бялыницкий-Бируля постоянно экспонируется на выставках, в 1904 году его избирают членом Товарищества передвижников, а уже через четыре года он удостаивается звания академика живописи. В 1917 году Витольд Каэтанович организовал художественную школу для крестьянских детей. В живописи продолжает развивать традиции «русского импрессионизма», не отступая от своей преданности пейзажу. После 1917 года он продолжает развивать традиции русского лирического пейзажа конца XIX века, становится одним из создателей жанра мемориального пейзажа – уникального явления советской живописи, становление которого пришлось на 30-е годы XX столетия и ознаменовавшего собой потребность в сакрализации памятных мест потерянной в первое десятилетия Октябрьской революции «старой России».

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля вошел в историю русского, советского и белорусского искусства как тонкий и поэтичный пейзажист.

Ушёл из жизни 18 июня 1957 года на своей даче «Чайка

После посещения выставки нашего сегодняшнего героя известный художник Михаил Васильевич Нестеров восхищённо писал ему: «Глядя на Ваши картины, этюды, рисунки, чувствуешь, что Вы родились юным и сохранили этот чудесный дар до сих пор».

Такое сильное впечатление произвела на Михаила Васильевича выставка художника, который мог целыми днями бродить по лесам и лугам, часами сидеть у воды, наблюдая за утками или подолгу следить за пушистой белкой, которая позже даже появится на его автопортрете…

Действительно, Аркадий Александрович Рылов, автор хрестоматийной работы «В голубом просторе», которой советские школьники посвятили не одну строку в своих сочинениях, был влюблён в природу с детства. Родился будущий певец русской природы 17 января 1870 года. Семья жила в Вятке, на берегу широкой реки с таким же названием. Природа этого живописного края с необычайно разнообразным пейзажем покорила художника своей красотой.

В 1888 году он приехал в Петербург и по совету родственников поступил в Центральное училище технического рисования барона Александра Людвиговича Штиглица, где учился до 1891 года. Занимался у известного художника и педагога Константина Яковлевича Крыжицкого. Параллельно Аркадий Александрович занимался в Рисовальной школе при Обществе поощрения художеств.

В 1893 году Рылов поступил в Санкт-Петербургскую Императорскую Академию художеств, а еще через год его пригласил к себе в мастерскую Архип Иванович Куинджи, мечта учиться у которого уже давно не оставляла художника. Аркадия Александровича можно смело назвать преданным последователем своего мастера. Он испытал на себе сильнейшее влияние не только творчества, но и личности своего наставника, об опеке которого над своими учениками, его великодушии ходили легенды.

Куинджи много внимания уделял работе на природе, которую считал самым первым и серьезным учителем живописца. Он учил искусству видеть, чувствовать, понимать природу. Аркадий Александрович навсегда сохранил привязанность к романтически приподнятым, целостным образам, эффектам освещения, декоративному пониманию цвета, но при этом точно следовал завету учителя как можно больше работать на натуре. Идеалы Архипа Ивановича художник пронесёт через всю жизнь и уже после смерти учителя на какое-то время возглавит «Общество художников имени А.И. Куинджи».

Умер Аркадий Александрович Рылов в Ленинграде 22 июня 1939 года.

Галина Ивановна Кабанова – это яркий пример живописца, способного тонко чувствовать историю и время, но не остающегося лишь сторонним наблюдателем. Коллеги Галины Ивановны отзываются о ней, в первую очередь, как об искреннем художнике, для которого за каждым событием кроется человеческое присутствие. Для художницы очень важны поиски своего места в жизни, а так же их соотнесённость с историей страны.

Родилась Галина Ивановна 12 декабря 1921 года в селе Анучино Приморского края. В 1939-1940 годах училась в Ленинградском художественном педагогическом училище, где одну из дисциплин – графику – преподавал Владимир Николаевич Левитский, ученик студии Ильи Ефимовича Репина, художественный редактор издательства «Свободное искусство», в том числе коллективной монографии «Николай Константинович Рерих», благодаря который потомки будут называть его первопроходцем среди издателей книг об искусстве. Чуткость в восприятии материала передадутся его ученице, Галине Ивановне Кабановой. В 1947 году она поступила в художественное училище г. Владивостока, которое закончила в 1950. Одним из преподавателей был прославленный советский плакатист, художник-график Сергей Павлович Ясенков, который и стал руководителем её дипломной работы: эскизов к оформлению оперы «Иван Сусанин» Михаила Ивановича Глинки.

Через год после окончания училища – в 1951 году – приехала в Хабаровск. Работала театральным художником Хабаровского краевого театра музыкальной комедии.

Одной из любопытных вех в биографии художницы можно считать поездки на Север, которые совсем не пугали художницу, а – наоборот – вызывали в ней искреннее любопытство. В её пейзажах неизменно возникает ощущение единства между природой и чувствами автора.

Заметным полотном стала работа «Ждут рыбаков» – мощное психологическое проникновение в состояние человека. Это полотно художница посвятила своему мужу Михаилу Евлампиевичу Сергиенко, погибшему в 27 лет. Они познакомились в художественном училище г. Владивостока и потом вместе приехали в Хабаровск.

Кабанова относится к художникам, творческий диапазон которых необычайно широк.  Галина Ивановна не разменивается на «салонность» или пресловутую «красивость» – искренность для неё важнее.

С 1951 года Галина Ивановна участник всесоюзных, республиканских, зональных и краевых выставок.

Евгений Михайлович Фентисов, художник-шестидесятник, чьё отношение к мировому искусству и своему месту в нём снискало ему среди коллег авторитет глубокого мыслителя и требовательного к себе графика. Часто страдал от того, что не смог, по его мнению, реализовать себя в полной мере в творчестве. Сомневающийся и ранимый, он глубоко переживал критику в свой адрес, но неизменно возвращался к мольберту в новых творческих поисках. Однако к своему зрителю Евгений Михайлович вышел поздно. Участие в выставках он начал принимать лишь с 1979 года. Требовательность художника к себе, его вечное стремление оставаться искренним и не преступать нравственных границ, и, уже как следствие, огромная ответственность перед теми, кто будет смотреть на его работы, заставляли его максимально критично относится к своим творчеству и навыкам.

Родился Евгений Михайлович 27 марта 1929 года в селе Пены Беловского района Курской области. В 1939 году его семья переехала в Хабаровск. В 1946 году поступил в Биробиджанское художественно-графическое педагогическое училище, где его учителями были Вениамин Львович Шкраб и Георгий Семёнович Ли Гирсу. В 1954 году, уже после армии, поступил на художественный факультет Всесоюзного государственного института кинематографии в Москве, где учился по специальности изобразительно-декорационное оформление фильма. Одним из его учителей во ВГИКе стал Юрий Иванович Пименов, художник-живописец, график, сценограф, плакатист, педагог, народный художник СССР. Дипломной работой Евгения Михайловича стали эскизы к фильму «Телеграмма» по мотивам одноимённой повести Константина Георгиевича Паустовского.

После окончания ВГИКа приехал в г. Хабаровск и поступил на службу на тогда ещё недавно организованный художественно-графический факультет педагогического института, на котором он проработал долгие годы и был безмерно уважаем студентами за его широту взглядов и эрудицию.

Первая персональная выставка художника прошла в 1979 году в Дальневосточном художественном музее. Позже был ещё ряд выставок, в том числе и в Японии: «Токио-тэн» (1991 год) и «Томиоко» (1992 год).

Не стало Евгения Михайловича в 1993 году.

«Слепой художник» – такое прозвище закрепилось в умах потомков за Борисом Фёдоровичем Рыбченковым. Действительно, при упоминании фамилии художника многим сложно удержаться от уточняющего вопроса: «Это тот, который был слепой?». И да, и нет. Зрение Борис Фёдорович действительно потерял, но уже на последнем десятке своей жизни, в самом начале 1980-х. Очевидцев, заставших «слепой» период творчества художника, восхищали его трудолюбие и стойкость характера, которые на протяжении всей жизни были для Бориса Фёдоровича опорой в его борьбе за свою мечту.

Родился будущий художник 6 августа 1899 года в Смоленске в семье мастера-пряничника. С 1915 по 1918 год учился в Киевском художественном училище у живописца, графика, скульптора и художника декоративно-прикладного искусства Анны Августовны Крюгер-Праховой, а так же у живописцев Николая Ивановича Струнникова и Михаила Якимовича Козыка. Весной 1918 года, после закрытия училища Державной Радой Украины, вернулся в Смоленск, где продолжил образование в Археологическом институте. Состоявшееся в Смоленске знакомство с Казимиром Малевичем и краткое увлечение супрематизмом подвигло Рыбченкова продолжить свое художественное образование.

Во время Гражданской войны работал в «Окнах сатиры РОСТА» Реввоенсовета Западного фронта, занимался оформлением агитпоездов. Оттуда был направлен в Петроград в Государственные свободные художественные мастерские (ВХУТЕМАС). В 1920-1921 годах учился у художника-модерниста, скульптора, театрального декоратора Натана Исаевича Альтмана и у скульптора Александра Терентьевича Матвеева. Болезнь легких заставила навсегда расстаться с Петроградом и Академией. В августе 1921 года он переехал в Москву и по конкурсу был принят на живописный факультет ВХУТЕМАСа, где преподавали известные художники-авангардисты Любовь Сергеевна Попова, Александр Давыдович Древин и Александр  Васильевич Шевченко. В 1925 году заканчивает институт и начинает преподавать в школе рисование и черчение.

Выходец из провинциальных «низов», интеллигент в первом поколении, Борис Фёдорови Рыбченков сделал себя сам, руководствуясь единственной целью – стать художником.

Работал в основном как пейзажист, создавая камерные, лиричные произведения в духе «тихого» искусства.

В 1981 году, в возрасте 82 лет, он почти полностью утратил зрение, но уже через два года возобновил работу. Как формулировал сам Борис Фёдорович, ему помогало «что-то свыше».

Был удостоен звания «Народного художника России» лишь в 1991 году, когда ему был уже 91 год.

Не стало Бориса Фёдоровича в 1994 году.

Николай Фёдорович Чайкин относится к тем художникам, на полотнах которых замирают мгновения. Влюблённый в свой край, остро чувствующий время и осознающий своё место в мире, Николай Фёдорович по-настоящему стал проводником истории для будущих поколений. Одни его работы – это слепки времени, другие же – с нежностью написанные признания в любви природе родного края, его любимому Амуру, близкому его сердцу городу – Хабаровску – пейзажи которого привлекают и своей достоверностью, и в то же время размахом впечатлений, поскольку зачастую город изображался с высоты птичьего полета. Немногим удается передать городской пейзаж в динамике, как живой организм.

Родился художник 19 декабря 1922 года в селе Прокофьево Красноярского края. На Дальнем Востоке жил с 1932 года. В 1940 году поступил в Благовещенский педагогический техникум на художественный факультет, который ему так и не довелось окончить. В 1943-1944 годы работал художником в редакции газеты «Рыбаки Амура». За самоотдачу и трудолюбие художник был награждён медалью «За доблестный труд в годы Великой Отечественной войны».

Был участником выставок с 1946 года: всесоюзных, республиканских, зональных и краевых. Персональные выставки прошли в 1972, 1988 годах. Член СХ СССР с 1964 года.

Энергичный характер Николая Фёдоровича, его бодрость духа всегда были примерами для коллег. Увлечённость общественными делами совершенно не мешала ни занятиям творчеством, ни рутинным делам хозяйственника, талант которого обнаружил в себе художник, занявшись устройством Хабаровского Союза художников. Благодаря Николаю Фёдоровичу стал формироваться Художественный фонд. При его участии были построены скульптурный цех и мастерские. Он умел находить общий язык с властью, и долгое время возглавлял партийную организацию Хабаровского Союза художников.

Николай Фёдорович Чайкин был неунывающим и восхищённым художником. Его бесчисленные этюды впечатляют живым прикосновением кисти, которая дает возможность почувствовать архитектуру создания этюда, раскрывают манеру письма художника. Его пленэр восхищает своей искренностью, которую невозможно сочинить. Именно такой материал и помог художнику в создании картины «Весна на БАМе».

Не стало Николая Фёдоровича Чайкина в 2001 году.

Каждый художник проходит свой уникальный творческий путь. Бывает так, что судьба одного талантливого человека в чём-то схожа с судьбой другого, даже если их разделяют года и века. Но случается и обратное: самобытность и уникальность художника настолько ярко выражены, что делают его непохожим на коллег по цеху. Но есть художники, чей творческий путь сложно оценить. Превратности судьбы иногда стирают для потомков достижения даже самых талантливых из них. Отчасти так произошло и с творческим наследием русского живописца Александра Ипатьевича Алексеева, которое до сих пор мало изучено.

Про Александра Ипатьевича известно, что был он учеником Академии Художеств с 1872 года. Имел две малые и одну большую серебряные медали от Московского художественного общества и две первых серебряных медали от Академии Художеств: в 1874 и 1876 годах соответственно. В 1876 году Александр Ипатьевич получил звание классного художника второй степени за работу «Пленение Самсона». С 1886 года являлся почётным вольным общником.

Писал художник преимущественно портреты и пейзажи. В конце 1870-х годов жил и работал в Париже. Его произведения находились в различных коллекциях и частных собраниях. Основатель знаменитого Радищевского музея, художник-маринист Алексей Петрович Боголюбов, так же был в числе почитателей таланта Александра Ипатьевича и даже приобрёл для коллекции своего музея несколько работ мастера.

На работе художника «Весна», датируемой первой половиной 1870-х годов, мы видим образ, полный нежного восхищения и светлого чувства красоты. Уверенными и аккуратными мазками художник пишет образ улыбающийся девушки, будто создавая аллегорию весны. Через портрет художнику удаётся  выразить и радость молодой особы от расцветания природы и вновь пришедшей красоты, и метафорическую мысль о нежности этой природы, о весне, за которой последует ещё большее тепло. Даже тона для своей работы он выбирает нежные, пастельные, где контраст прослеживается лишь на акцентных деталях, таких как цветы. Нас неизменно привлекает лёгкая улыбка молодой девушки и общий колорит работы.

В полной мере творческое наследие Александра Ипатьевича Алексеева только предстоит изучить.

Сын палехского крестьянина-иконописца, талантливый живописец, автор многочисленных портретов, пейзажей и жанровых композиций … Казалось, что сама судьба была благосклонна к Алексею Михайловичу Корину, но это только на первый взгляд. Даже сегодня имя его лишь эпизодически встречается в переизданиях мемуарной литературы, а так же в специальных изданиях.

Родился Алексей Михайлович 16 марта 1865 года. С детства будущий художник начинает работать под руководством отца, а в десять лет был определён в школу при иконописных мастерских Троице-Сергиевой лавры. Постепенно начинает смотреть за рамки иконописи. Отец художника не поощрял увлечение сына живописью, но уже через год занятий в школе, вопреки воли отца, Алексей Михайлович поступает в Москве в иконописную мастерскую Василия Вячеславовича Шокорева, иконописца и, что было важнее для начинающего художника, – живописца.

В 1884 году Алексей Михайлович поступает в Училище живописи, ваяния и зодчества. Там его учителями становятся известные художники: Владимир Егорович Маковский, Илларион Михайлович Прянишников, Василий Григорьевич Перов. Живописные и графические работы неизменно заслуживают высших оценок. В год выпуска из училища, в 1889, начинается череда первых наград: за картину «После обедни» Алексей Михайлович был награждён большой серебряной медалью и получил звание классного художника. В 1892 году была написана картина «Больной художник», получившая высокую оценку таких мастеров как Илья Ефимович Репин и Владимир Васильевич Стасов. В том же году Павел Михайлович Третьяков приобретает для своей коллекции картину «Больной художник». С 1895 года Алексей Михайлович являлся членом Товарищества передвижных художественных выставок, экспонентом которых был вплоть до 1922 года.

Жизнь Алексея Михайловича Корина до последних лет оставалась суетной, художнику почти всегда приходилось жить под гнетом заказов, отнимавших и время, и силы.

На протяжении последнего десятилетия жизни имя Алексея Михайловича все реже можно встретить в отзывах критики, хотя его работы продолжают регулярно экспонироваться, правда, в меньшем числе.

После болезни, негативно сказавшейся на зрении художника, он уединяется в своём доме, где почти забытый продолжает писать скромные этюды и тихо заканчивает свой век 13 февраля 1923 года.

В этот день, 25 марта, ровно сто пятьдесят лет назад появился на свет известнейший русский художник Игорь Эммануилович Грабарь, считающийся одним из основателей музееведения, реставрационного дела и охраны памятников искусства и старины

Родился будущий художник и реставратор в 1871 году в Австро-Венгрии. К 1880 году  семья Игоря Эммануиловича перебралась в Российскую империю, поселившись в Егорьевске Рязанской губернии.

Будучи ребенком, Игорь Эммануилович начал проявлять страсть к рисованию. Когда мальчик подрос, стал брать уроки живописи.

С 1882 года он учился в лицее цесаревича Николая, который окончил в 1889 году с золотой медалью. Учеба в лицее давалась тяжело, но переезд в Москву открыл юноше новые горизонты. После окончания лицея Игорь Эммануилович Грабарь в 1889 году поступил сразу на два факультета Петербургского университета — юридический и историко-филологический. Окончил университет в 1893 году.

Увлечение живописью не давало усомниться в том, что следующей ступенью для Игоря Грабаря должно стать обучение в Академии художеств, куда он поступил в 1894 году и попал в ученики самого Ильи Ефимовича Репина. В этот период начинается активное становление художника как критика и историка искусства.

В последующие годы Игорь Грабарь постоянно совмещал занятия живописью с научной деятельностью. Так, с 1908 года и до начала Первой мировой войны он успел издать 8 томов своего монументального труда под названием «История русского искусства». Но война нарушила планы Игоря Эммануиловича. Было уничтожено огромное количество собранного материала.

С 1913 года Игорь Грабарь возглавлял Третьяковскую галерею. Здесь он проявил весь свой талант организатора и экспозиционера.

С 1921 года Грабарь был профессором Московского государственного университета, где читал курс лекций по теории и практике научной реставрации.

Искусство для Игоря Эммануиловича всегда было предметом познания и созидания. Он был многогранной личностью. Современники называли его «человеком-оркестром» – он умел делать практически все. Игорь Эммануилович служил искусству как живописец и художник, как историк искусства и как его критик, как архитектор и реставратор, музейный деятель и педагог.

Умер Игорь Эммануилович 16 мая 1960 года в Москве.

Про Николая Ефимовича Тимкова часто говорят, что его творчество перевернуло представление запада о русском искусстве советского периода. Казалось бы, зачем критикам обращать столь пристальное внимание на отношении западного зрителя к творчеству советского художника? Чтобы понять масштаб творчества Николая Ефимовича Тимкова, необходимо подчеркнуть, что его творческим контекстом была ленинградская художественная школа.

Конец 1950-х годов стал поворотным периодом для советского искусства. Более консервативное предшествующее десятилетие было этапом накопления опыта и творческой энергии, подготовивших обретение живописью нового облика. Важную роль при этом сыграло переосмысление художественного наследия крупнейших русских и европейских мастеров.

Впервые Николай Ефимович участвовал в выставке в 1929 году ещё студентом Ростовского художественного училища, юноше тогда было только 17 лет. В РХУ, возглавляемом Андреем Семёновичем Чинёновым, учеником Василия Дмитриевича Поленова и большим поклонником Исаака Ильича Левитана, как раз и закладывалась та безмерная база, из которой выпускники позже черпали для себя те самые смыслы.

В 1933 году Николай Ефимович приехал в Ленинград и поступил на живописный факультет Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина. Там его учителями среди прочих были Аркадий Александрович Рылов и Исаак Израилевич Бродский.

После института Николай Ефимович был призван на военную службу в Балтийский флот, которая продолжалась до 1946 года. В годы Великой Отечественной войны и блокады он был среди защитников Ленинграда. Тимков участвовал во всех выставках художников и защитников блокадного Ленинграда, в выставке «Героический фронт и тыл» в Третьяковской галерее в 1943 году, а также в создании самой большой за годы войны выставки «Героическая оборона Ленинграда», открытой в 1944 году и положившей начало легендарному Музею обороны Ленинграда. Художник был награждён медалями «За оборону Ленинграда» и «За победу над Германией». В 1943 году его приняли в члены Ленинградского Союза советских художников.

На рубеже 1950-1960-х годов в ленинградской пейзажной живописи наблюдались усиление стилистического разнообразия, утончения колорита, интерес к декоративности, эстетике русского модерна и импрессионистическому обогащению живописи. Николай Ефимович Тимков становится одним из тех мастеров, что создали её новый облик.

Ушёл из жизни 25 декабря 1993 года.